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UN JOUR DE PLUIE A NEW YORK **

19 Sep

2sur5 Naturellement il est bon de soutenir Woody Allen afin de garnir ses films et nos écrans de jeunes starlettes infantilisées ou dévêtues. Mais hormis ses adeptes et les gens sensibles aux principales recrues (et Elle Fanning en a d’affreuses sales et affamées, peut-être autant qu’Emma Stone), sa première livraison de carrière post-américaine n’a rien pour convaincre. Et pour séduire comme en général, rien de neuf.

Le scénario paresseux pousse les clichés jusqu’à patauger dans l’incohérence. On peut mettre sur le compte de l’impressionnabilité ou de la boisson des erreurs d’Ashleigh, puis finalement non, elle est simplement le réceptacle d’amertumes et de procès décalés en niaiserie. La fille parfaite selon Neon Demon est de loin la plus dévouée et mieux installée dans son rôle, face à un Chalamet décent dans un costume que son allure rend tout de même factice et désespérément creuse. L’usage de Selena Gomez est autrement bancal. La complaisance envers son personnage, la flatterie envers son supposé charisme sexuel et la volonté de la plier à un tel rôle sont de mystérieuses inspirations. Elle n’est pas spécialement mauvaise mais il y a des questions à se poser du côté de la direction voire de la notion d’acteur (pourtant Blue Jasmine est encore récent).

Cette interrogation peut être poussée à d’autres niveaux puisque le film va laisser en plan les intrigues croisées et les trajectoires de tous. Celle de Chalamet est une pâle exception – le devoir de légèreté ! C’est à se demander si ce Jour de pluie a été remonté pour mieux marquer le cynisme et le dédain de son créateur envers son milieu d’origine. Au cours de ce long périple le monde des arts et du cinéma apparaît bête et pimpant, tout en étant trop fade pour accoucher de grands ou beaux monstres. Par lubricité ou en raison d’impératifs mondains ou de pseudo-création, on balaie les questions de la journaliste de bonne volonté qui persiste à voir un génie tourmenté. Réduire le monde du spectacle, même celui des coulisses, à une cohorte de sous-businessman sur-friqués et vaniteux est certainement une bonne chose depuis la lucarne de Woody Allen, son peuple, ses collègues et ex-amis éclairés. Mais au lieu d’allumer des lanternes ou de savoureusement régler des comptes, ça ne conduit qu’à sacraliser une éthique bobo ultime.

Notre petit héros appartient à la haute bourgeoisie, est couvert de privilèges mais il est trop libre et authentiquement sophistiqué pour ça et choisis donc une vie de bohème – insérée en belle carte postale à New York, l’après-midi dans les endroits chics, le soir dans les cafés d’artiste, le réveil à l’hôtel sans le matin-vomi. Même les habituelles petites livraisons comme Scoop sont bien plus significatives et pour le style on redescend à un niveau intermédiaire après le beau Wonder Wheel. Reste la petite musique allenienne, son rythme, le charme des acteurs davantage que leurs personnages excessifs, certaines pointes d’humour mais quand il se fait crû plutôt que réjoui par son ironie – badine heureusement sinon c’était gênant, à la manière des blagues sur les blondes (comme ce poids mort lamentable dans Three Billboards alors que l’actrice a montré l’étendue de son talent un an après via Ready or Not).

Note globale 46

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Suggestions…

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WEDDING NIGHTMARE / READY OR NOT ***

14 Sep

4sur5 Fantaisie horrifique goulue et carnassière curieusement équilibrée. Dans l’absolu Wedding Nightmare n’innove en rien et si on devait l’éplucher pour le considérer morceaux par morceaux, il y aurait de quoi nourrir le scepticisme, douter de la pertinence d’assortir telle outrance et tel pastiche. Certains de ces morceaux sont excellents, d’autres moyens ou succincts (l’ouverture indiquant un traumatisme appelé à se reproduire est aussi fracassante que commune, surtout au niveau sonore), l’alchimie est brillante. Le fond du film décuple cette tendance : le propos est franchement idiot et le postulat délirant, pourtant l’approche fonctionne. Elle accepte une normalité grotesque et laisse place aux sentiments de révolte, d’attraction et d’empathie, dans des décors naturels somptueux (en employant de véritables domaine et château).

Malgré son esprit digne du bis le plus déchaîné et sa proximité avec le vieux cinéma gothique, Ready or Not évite les effets lourds et faux, les dérives du second degré ou de la désinvolture, mais pas le maniérisme. Il est vraisemblable dans l’exécution, ce qui permet de digérer son extravagance. Il n’utilise pas les ressorts débiles comme la succession de choix foireux du gibier humain. Comme il repose sur une seule victime a-priori, nous devinons qu’elle doit durer peu importe son état, ou bien le film devra nous livrer un épilogue conséquent. Le suspense devrait en prendre en coup or la séance garde toujours un haut niveau d’intensité, dans le pire des cas grâce à son héroïne, avec ou pour laquelle on souffre facilement. Le début est d’autant plus angoissant en sachant quelle menace pèse ; ensuite nous aurons un survival efficace où l’humour, nécessairement noir, éventuellement ‘jaune’ car odieux, se déploie plus ouvertement, en ne risquant plus d’alléger l’impact de cette traque.

Le style comique n’est pas détaché ou superposé et son insertion ne torpille ou abaisse pas le programme, ce qui distingue cette séance de nombreuses concurrentes. Il est toujours lié au malaise et à la terreur, relève du sarcasme ou d’une tentative frustrée de nier ‘l’impossible’. La femme en violet en est la manifestation la plus frappante : une vieille fille puriste, méchante et mystique, à la limite du gimmick et de la parodie. C’est une sorcière trop sinistre et absurde pour avoir sa place chez Tim Burton, mais ses racines sont parfaitement humaines. Sa détermination sera d’autant plus désarmante. D’autres membres de la famille, aux manières les plus vulgaires, serviront cette fibre comique de façon plus triviale : Émilie l’ignoble imbécile et son conjoint le balourd à cravate scotché à son iphone. Comme quoi à un certain degré l’entrée dans la famille est ‘démocratique’. La brune guindée représente l’arriviste accrochée à sa place avec autant de détermination que l’héritière à la vie frustrée tient à son énorme destinée ; elle gagne en beauté tout au long du film, comme si le déclassement de la nouvelle arrivante (sur laquelle elle portait un jugement emprunt de jalousie) la revivifiait.

Une foule de références viennent à l’esprit : forcément The Purge avec sa traque élitiste (élevée au rang de religion dans le 3) et où l’ultimatum est aussi à l’aube, puis Society qui pourrait maintenant être perçu comme un Ready or Not de la génération précédente. Deux satires des rites d’initiation des riches où on envie l’intégration familiale mais se heurte à des valeurs intéressées affreuses poussant le protagoniste vers l’échafaud. Bien entendu même ‘evil’ le traditionalisme a sa souplesse et si la situation craint trop pour ceux qui tiennent le jeu on pourra tordre la loi. Les spectateurs aux préoccupations sociales ou abstraites y verront l’illustration du mépris de toute équité de la part de privilégiés prêts à tout pour conserver leurs avantages, quitte à mourir – l’ironie du possédant. Le luxe est une bénédiction et une malédiction (on sent une réticence généralisée d’individualiste obstiné, partenaire et modérateur de la démagogie : même le mariage pourrait faire partie de ces cadeaux empoisonnés, rien ni personne n’est là pour (ré)assurer et s’y déshabituer c’est se livrer aux loups). Sur un plan immédiat, la flexibilité du mode opératoire (heureusement sans rupture de cohérence interne), le flou dans la carte, dopent l’inquiétude, la colère et le dégoût, tandis que le conflit de loyautés ou simplement de sympathies éprouvé par le mari et quelques autres membres souligne l’aliénation des ‘coupables’. Nous avons les bénéfices sensoriels d’une lutte manichéenne sans sa fermeture et sa bêtise psychologique. Le dénouement est bon car il valide le jeu et ne se laisse pas guider apparemment par les préférences idéologiques ; il pouvait être plus remuant avec un autre choix plus raisonnable au retentissement apocalyptique, mais on y perdait probablement en intégrité.

Note globale 72

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Suggestions… Midsommar + Carrie + You’re next + Would you rather + La Cabane dans les bois + Eyes Wide Shut + The Voices + Rosemary’s Baby + The Game + Kill Bill + Le Limier + MAT

Les+

  • alchimie réussie
  • photo et style, décors et couleurs
  • l’héroïne accroche immédiatement, le casting est excellent

Les-

  • pouvait aller plus loin et éviter certaines banalités ou surlignages
  • peu original pris bout par bout et dialogues restrictifs

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AU POSTE !

28 Nov

3sur5 Farce originale dans l’absolu mais où son auteur se renouvelle peu. Au contraire le cadre est neuf – relocalisé, en intérieurs, similaire au huis-clos et sur un temps court, proche de celui du spectateur (l’interrogatoire s’étale sur une nuit – multiple). Ce n’est pas une bombe ubuesque à la Wrong Cops avec sa virée chez les nihilistes ordinaires, ni tellement sombre comme l’était Réalité, ni à la frontière de l’expérimental comme l’ont été Wrong et Rubber.

C’est même plutôt prosaïque, mais comme ça peut l’être chez Dupieux – l’aberration s’infiltre dans la banalité, les protagonistes réagissent en parfaits débiles logiques, irréprochables si leurs principes sont bien choisis. Souvent ils se disent ce qui ne saurait se dire, par bienséance, souci de pertinence ou conscience de soi (consultez Invention of Lying pour l’option radicale). Ils ne font et ne sont qu’en fonction de ce qu’ils savent, ou s’y appliquent le plus possible – si une huître est un aliment l’agent moustache ne voit aucune objection à la croquer. Évidemment les gens sont trop confus pour soutenir la logique et ne serait-ce que leurs standards, il ne peut donc y avoir que des petites catastrophes ou le règne du ridicule perpétuel, devenu normal à l’usure.

Tout coule avec facilité, dans les deux sens du terme. Les enchaînements sont un peu prévisibles (le coup de l’équerre) ou immédiatement repérables à moins d’être subjugué par la loufoquerie. L’humour si improbable se fait aussi littéraliste (même en mode discret, avec le cadavre dans le placard). Le film a le mérite de ne pas souligner de moments de solitude, ralentir le rythme (sauf scène d’ouverture – fantaisie sans rapport avec l’aventure à suivre), imposer des flottements supplémentaires à ceux de son récit aberrant (ce que pratiquait encore Réalité) – le quota d’égarement est déjà bien assez grand.

Les dialogues sont jubilatoires, le duo et certains retours perplexes près de l’immeuble évoquent Buffet froid. Le meilleur est certainement dans les vingt premières minutes, le niveau voire le plaisir se tassant au cours des sept allers-retours. Les invasions de souvenirs et autres attentats diégétiques réduisent l’impact de la seconde moitié. La révélation pré-finale n’apporte qu’elle-même et donne occasion d’un petit épilogue improbable ; pour les concepteurs elle permet de se tirer de cette histoire de fou (ou au moins de la boucler), pour les spectateurs elle a de quoi frustrer (à moins que les citations-hommages possibles soient plus importantes que la définition d’un [non-]sens personnel).

Cette fin conforte l’impression d’avoir assisté à un exercice de mariole – efficace malgré tout. Notez que la courte durée de cette bêtise sophistiquée peut être une qualité (1h13, enlevez sept minutes pour le générique – sept minutes de moins en faisaient un moyen-métrage). Si vous devez y accéder au tarif plein, passez votre chemin, à moins d’être un adepte. Sinon, il faut tenter cet opus, le plus accessible de Dupieux, dépassant même Steak sur ce plan.

Note globale 62

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Suggestions… Inspecteur Labavure

Scénario/Écriture (5), Casting/Personnages (6), Dialogues (7), Son/Musique-BO (-), Esthétique/Mise en scène (7), Visuel/Photo-technique (6), Originalité (7), Ambition (5), Audace (-), Discours/Morale (-), Intensité/Implication (7), Pertinence/Cohérence (4)

.

Les +

  • dialogues
  • le duo Poelvoorde/Ludig
  • les détails grotesques
  • comédie efficace

Mixte

  • la durée
  • scènes en-dehors du bureau de police

Les –

  • vraiment aberrant finalement
  • moment où un réalisateur se décalque ou s’imite lui-même

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CLIMAX **

15 Oct

3sur5  Vingt ans après son court servant la propagande pour le préservatif (le paillard et païen Sodomites), Gaspar Noé en livre une nouvelle, indirecte ou accidentelle, contre l’alcool, la drogue et le plus sale des fléaux humains : la fête. Climax est de ces films à découvrir au cinéma pour se le prendre au maximum dans la gueule – sinon leur intérêt décroît : on appréciera les mêmes choses, les digérera trop vite. C’est aussi le résultat des zones aveugles de cet opus ; l’intellectualiser en rajouterait à la vacuité (Irreversible et même Enter the Void eux restaient disponibles pour les commérages d’esprits et de critiques).

Le fond est indifférent, le scénario minimaliste et en somme cette expérience est juste une grosse cuite suivie d’un bad trip partagés. Il déborde de la normale car il y a du sang (et probablement des restes tragiques), sinon il rapporte les affaires courantes : des animaux se grimpant dessus et se fuyant, se griffant et se reniflant. L’empathie pour les personnages est résiduelle, pas encouragée – les sympathies primaires ou les principes feront le travail selon les spectateurs. La seconde intro avec tous les protagonistes face caméra pour démouler leurs laïus sur la danse, leurs ambitions ou situations pose des êtres médiocres, sommaires, ravagés ou grotesques. La dernière interviewée, la chorégraphe, porte un costume de personne sérieuse et cultivée ; ce pastiche de bourgeoise de gauche tendance ‘expansionniste’ est la seule à ne pas s’inscrire dans la poursuite des stimulations crues, l’affirmation des besoins, désirs ou sentiments. Ce sera effectivement une fausse lumière, performante dans la course vers la sauvagerie et la débilité, grâce à ses points spéciaux au rayon ‘ignominie sans le faire exprès’.

La signature Gaspar Noé est saillante mais négligée, avec des tics d’emballage ou raccords stylés lourds et (auto-)complaisants. Les pancartes accumulent les contenus creux (« Mourir est une expérience extraordinaire »), les effets ‘renversants’ se multiplient gratuitement. Les génériques aux mauvais emplacements, annonces et crédits moches ou grossiers sont au mieux des fétiches au goût de certains (ils valaient mieux dans Carne ou Seul contre tous). Le plus balourd est néanmoins intéressant, pour le collectionneur – ces citations d’œuvres (à gauche les livres, à droite les films) sulfureuses et ‘cultes’ posant l’ambiance et les intérêts commun entre spectateurs, concepteurs et, dans une mesure incertaine, les habitants du film.

L’ennui pointe pourtant à force d’appuyer sur le pire et de nous flouer ; le dernier quart-d’heure, après l’excellent passage sur Windowlicker, plonge dans une confusion totale, rompant avec un semblant de prise directe, morcelée mais encore claire, sur les événements. Avant le décompte final, on conclut qu’il faudra le DVD pour voir qui baise qui, qui se perd où, qui approche la ligne ou surnage. Le tourbillon est à son comble mais surtout en théorie, en pratique il est amputé. Les déductions et suppositions morbides (un cri de bébé au milieu de ce désastre ?) risquent de devenir un jeu à ce moment-là ; plus tôt, des pointes d’humour noir et de désespoir ont su jaillir. Le ressenti est plus fort quand il n’y a pas de place pour l’interprétation. Celle pour l’anticipation n’est pas tellement comblée car nous sommes happés dans l’ici et maintenant : l’extase et l’horreur dévorent la conscience. La perception des conséquences terribles s’éloigne pour l’otage épanoui de sa transe. Corrompre sa bulle éventuellement mais ne pas laisser l’autre briser la nôtre, voilà le secret de la survie.

Psyche (la blonde lesbienne au carré – Thea Carla Schott) interpelle tout spécialement ; elle est entièrement dans son corps mais semble partie loin. Un intellectuel perché sur sa montagne, un romantique subjugué par le déni, serait plus ‘présent’ au monde dans tous les sens du terme. Elle fait ‘viande’ mais c’est la plus opérationnelle – et la plus éloquente sur la piste de danse, la plus imposante en fait dès qu’il n’y a plus de mots ni de réflexion possibles. Daddy (Kiddy Smile, révélé au grand-public trois mois avant la sortie grâce à son invitation à l’Élysée) traverse cet enfer sans se soucier, souffre sans lâcher ses lubies, se laisse percuter par les délires et la violence sans s’impliquer – rien ne viendra gâter son plaisir.

Climax est un cadeau à la fois pour : d’un côté les moralistes, les petits misanthropes déguisés en fillonistes blasés ; de l’autre les amateurs de sensations fortes et les gens assez sensibles (et spécialisés) pour apprécier ce type de collectif, d’art et d’accidents. La haine tranquille est facile (et le mépris social possible). Elle atténue la virulence de la séance, à voir de préférence le ventre vide et le corps reposé. Malgré la distance qu’on peut ressentir entre soi et les personnages, celle entre soi et les événements est mince. Leur sort individuel peut nous être égal, l’expérience reste remuante. Cela tient pourtant à peu de choses : la scène d’ouverture avec la fille agonisante dans la neige semble nous annoncer une hécatombe – on part donc convaincu, a-priori, qu’ils doivent tous tomber ; ça rend plus facile de les écouter – et la fiction plus attractive. Car si on doit douter face aux déblatérations insipides, il y aura toujours de grands malheurs en ligne de mire. Un être misérable en danger devient émouvant, avec un peu d’efforts des deux côtés on pourra même lui trouver de la dignité. De toute cette foule, Lou (Souheila Yacoub) est la seule inspirant franchement et intégralement la compassion, à cause de sa solitude et de sa sobriété forcée. Les autres sont désinhibés mais aussi altérés, se laissent emmener dans ce qu’ils n’aiment pas ou se vautrent enfin dans ce qu’ils refoulent (or leurs tabous sont déjà rachitiques à la base).

Note globale 62

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Suggestions… Revenge + Les Gaous

Scénario/Écriture (4), Casting/Personnages (5), Dialogues (4), Son/Musique-BO (7), Esthétique/Mise en scène (6), Visuel/Photo-technique (6), Originalité (5), Ambition (7), Audace (7), Discours/Morale (-), Intensité/Implication (7), Pertinence/Cohérence (3)

Note arrondie de 60 à 62 suite à l’expulsion des 10×10.

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OUVERT LA NUIT *

4 Jan

2sur5  Après deux films à la réception plutôt désastreuse (La Bostella et Akoibon), Edouard Baer a repris la casquette de réalisateur pour ce qu’il qualifie de « déambulation nocturne » dans Paris. L‘acteur et animateur de radio est également le personnage principal, un directeur de théâtre volage, adepte d’un ‘soft power’ particulièrement vicieux et insaisissable (il se fout de ses responsabilités mais jamais au point de les ignorer). Ce Luigi ressemble de très près à Baer lui-même. La présence de Galabru dans son propre rôle (quelques semaines avant sa mort – survenue sept jours avant la sortie) contribue à entretenir ce flou ; on se demande si certains ne sont pas également censés se mettre en scène ou se dupliquer. Elle sert aussi l’hommage, non discret mais compartimenté, au ‘milieu’, aux artistes et à la scène (cette bouderie de Galabru ferait référence aux frustrations éprouvées par Serrault face à ses ‘directeurs’). Les premières minutes dans le théâtre (coulisses et le reste), avec la caméra mobile et l’apparente non-interruption, flirtent avec la logique de plan-séquence (le film n’ira pas relever ce défi – vaseux) et renvoient inévitablement à Birdman (ou à certaines séquences ‘aériennes’ chez De Palma, mais l’autre option a plus de chances d’être volontaire).

Avec ce film Baer semble vouloir s’astiquer lui-même. Il se coltine des vannes pourries en rafale. Ses réactions de kéké-Nova amateur d’insolite ou d’improbable, même très light, en revanche ne sont jamais à décharge – si ce n’est pour souligner sa mesquinerie, qui est loin de l’amoindrir et de s’accompagner de sentiments poisseux. L’entourage de Luigi est en admiration béate envers lui, sauf les plus proches qui arrivent à usure (la stagiaire embarquée dans cette virée n’aura pas attendu des années pour saturer). Quand Baer force sur le foutage de gueule tout juste masqué (mais pas relevé par les gens, obnubilés par son charme ou son baratin), la chimie commence à opérer ; mais dans l’ensemble ce happening est trop paresseux. L’expression ‘ne pas se prendre la tête’ s’applique ; Baer ne se la prend pas à bon escient, juste pour jouer et en rajouter un peu, prendre celle des autres pour des billes. Il compte sur son humour et son côté virevoltant ; l’absence de répondant, d’accrochage sérieux et d’approfondissement donne l’impression d’un ‘work in progress’ dont même l’auto-satisfaction sent le réflexe périmé. S’y ajoute une tartine vaguement démago avec le brassage social de l’escapade – Baer estime nous faire visiter sa France « entre Sacha Guitry, Jamel Debbouze et les mythos de comptoir », ce qui se traduit par un mix de Paris populo, galerie des artistes (souvent des bourrins) et de bars ou hôtels mondains (parfois infiltrés par la demi-gueusaille – c’est samedi soir).

Audrey Tautou est la seule interprète ayant l’occasion d’ajouter une valeur sans avoir à se noyer dans le stéréotype ou la parodie – elle campe une personne paradoxale, femme ‘bébé’ en position d’autorité, parfois sarcastique. Baer pratique un cabotinage un peu mou pour représenter son double le cabotin essoufflé (s’il y a une cohérence elle est plombante pour l’œuvre avant tout). Ouvert la nuit est censé ménager de la caricature et du pittoresque : il échoue sur les deux plans. Les caricatures sont désuètes et creuses, le pittoresque ne tient que sur des ‘coups’ au maximum (le génie des fleurs et l’insoumis de l’accueil). La séance s’attache au clash coincés rigoureux et non-réceptifs vs yolomen culturo-mondains, au lieu d’explorer les belles variétés de crétins à portée. Les gags sont pauvres et répétés inlassablement. Peut-être fallait-il taper plus fort, oser briser la glace et se rapprocher du leitmotiv de Toni Erdmann ? Malheureusement le film ne saurait être si déterminé et reste par défaut flottant autour de la comédie. Baer se condamne à pratiquer une autodérision aseptisée avec remise en question sur-empruntée – d’où la rédemption du connard/adulescent ratée de la dernière partie, car les caractères sont trop bâclés pour être encore simplement ‘fuyants’.

Note globale 38

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Suggestions…

Scénario/Écriture (1), Casting/Personnages (2), Dialogues (2), Son/Musique-BO (2), Esthétique/Mise en scène (2), Visuel/Photo-technique (3), Originalité (2), Ambition (3), Audace (2), Discours/Morale (-), Intensité/Implication (2), Pertinence/Cohérence (1)

Note arrondie de 40 à 38 suite à l’expulsion des 10×10.

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