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AU POSTE !

28 Nov

3sur5 Farce originale dans l’absolu mais où son auteur se renouvelle peu. Au contraire le cadre est neuf – relocalisé, en intérieurs, similaire au huis-clos et sur un temps court, proche de celui du spectateur (l’interrogatoire s’étale sur une nuit – multiple). Ce n’est pas une bombe ubuesque à la Wrong Cops avec sa virée chez les nihilistes ordinaires, ni tellement sombre comme l’était Réalité, ni à la frontière de l’expérimental comme l’ont été Wrong et Rubber.

C’est même plutôt prosaïque, mais comme ça peut l’être chez Dupieux – l’aberration s’infiltre dans la banalité, les protagonistes réagissent en parfaits débiles logiques, irréprochables si leurs principes sont bien choisis. Souvent ils se disent ce qui ne saurait se dire, par bienséance, souci de pertinence ou conscience de soi (consultez Invention of Lying pour l’option radicale). Ils ne font et ne sont qu’en fonction de ce qu’ils savent, ou s’y appliquent le plus possible – si une huître est un aliment l’agent moustache ne voit aucune objection à la croquer. Évidemment les gens sont trop confus pour soutenir la logique et ne serait-ce que leurs standards, il ne peut donc y avoir que des petites catastrophes ou le règne du ridicule perpétuel, devenu normal à l’usure.

Tout coule avec facilité, dans les deux sens du terme. Les enchaînements sont un peu prévisibles (le coup de l’équerre) ou immédiatement repérables à moins d’être subjugué par la loufoquerie. L’humour si improbable se fait aussi littéraliste (même en mode discret, avec le cadavre dans le placard). Le film a le mérite de ne pas souligner de moments de solitude, ralentir le rythme (sauf scène d’ouverture – fantaisie sans rapport avec l’aventure à suivre), imposer des flottements supplémentaires à ceux de son récit aberrant (ce que pratiquait encore Réalité) – le quota d’égarement est déjà bien assez grand.

Les dialogues sont jubilatoires, le duo et certains retours perplexes près de l’immeuble évoquent Buffet froid. Le meilleur est certainement dans les vingt premières minutes, le niveau voire le plaisir se tassant au cours des sept allers-retours. Les invasions de souvenirs et autres attentats diégétiques réduisent l’impact de la seconde moitié. La révélation pré-finale n’apporte qu’elle-même et donne occasion d’un petit épilogue improbable ; pour les concepteurs elle permet de se tirer de cette histoire de fou (ou au moins de la boucler), pour les spectateurs elle a de quoi frustrer (à moins que les citations-hommages possibles soient plus importantes que la définition d’un [non-]sens personnel).

Cette fin conforte l’impression d’avoir assisté à un exercice de mariole – efficace malgré tout. Notez que la courte durée de cette bêtise sophistiquée peut être une qualité (1h13, enlevez sept minutes pour le générique – sept minutes de moins en faisaient un moyen-métrage). Si vous devez y accéder au tarif plein, passez votre chemin, à moins d’être un adepte. Sinon, il faut tenter cet opus, le plus accessible de Dupieux, dépassant même Steak sur ce plan.

Note globale 62

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Suggestions… Inspecteur Labavure

Scénario/Écriture (5), Casting/Personnages (6), Dialogues (7), Son/Musique-BO (-), Esthétique/Mise en scène (7), Visuel/Photo-technique (6), Originalité (7), Ambition (5), Audace (-), Discours/Morale (-), Intensité/Implication (7), Pertinence/Cohérence (4)

.

Les +

  • dialogues
  • le duo Poelvoorde/Ludig
  • les détails grotesques
  • comédie efficace

Mixte

  • la durée
  • scènes en-dehors du bureau de police

Les –

  • vraiment aberrant finalement
  • moment où un réalisateur se décalque ou s’imite lui-même

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ERASE AND FORGET ***

6 Août

4sur5  Portrait plus fin que son enrobage et ses accroches le laissent paraître ; documentaire d’1h28 présentant l’homme dont le parcours militaire et les exploits ont inspiré Rambo (‘Hannibal’ de L’agence tous risques et le colonel Kurtz seraient dans le même cas). Les concepteurs (et promoteurs/relais) ont une approche gauchiste critique qui heureusement n’affecte que peu le résultat, car Bo Gritz est de quasiment tous les plans, les faits. Le ‘reportage’ et les archives écrasent (en volume et par leur force, par le charisme de l’homme) les considérations idéologiques ou extérieures.

La dénonciation de la violence peut s’exprimer en citant simplement ; par exemple, en incrustant à charge la bande-annonce d’Apocalypse Now (ou en énumérant et passant en accéléré la centaine de morts de John Rambo – excellent film au demeurant). De cette façon nous pouvons apprécier l’objet sans trop subir le commentaire, qui est trop mince voire carrément impuissant face à ce que nous avons à l’écran. Le film est un peu moins vivant dans le dernier tiers avec la profusion de vidéos et de tribunes où Bo Gritz est apparu ; c’est aussi le moment où son scepticisme face aux valeurs guerrières, à l’ordre américain (et même aux gens) s’affiche ouvertement – sans hargne ni violence, sans ‘omission’ ni renoncement. Il regrette notamment les sacrifices inutiles, les jeunes enthousiastes ou ‘demandeurs’ qui s’envoient et sont envoyés à la mort, en ayant conscience d’entretenir ces élans.

C’est un héros – et un homme se regardant ‘héros’, avec le rapport d’un responsable, d’un comédien peut-être, pas celui d’un type ravi ou narcisse. Voilà ce que la réalisatrice excelle à montrer et valoriser indirectement ; c’est peut-être ce qui la préoccupait le plus pendant ces quelques années d’enregistrement, mais il aurait été plus difficile pour le film de paraître (dans les festivals, voire de paraître tout court) sous cet angle non-binaire et non-hystérique – car l’ancien candidat du Parti Populiste, proche des suprématistes blancs et des survivalistes, ne saurait être considéré qu’avec dégoût ou en faisant l’objet d’une investigation chargée de le blâmer. Le point de vue sur l’aliénation et la corruption par la violence, aux USA en particulier, y gagne beaucoup (alors qu’il perd avec les démonstrations soulignant notre fascination ou la médiatisation de cette violence militaire sublimée ou juste destinée à divertir).

Note globale 72

Page Allocine & IMDB  + Zoga sur SC

Suggestions…

Scénario/Écriture (7), Casting/Personnages (8), Dialogues (8), Son/Musique-BO (-), Esthétique/Mise en scène (6), Visuel/Photo-technique (6), Originalité (4), Ambition (7), Audace (6), Discours/Morale (6), Intensité/Implication (8), Pertinence/Cohérence (7)

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MINI-CRITIQUES 6

2 Nov

Port du désir ** (France 1955) : Avec Gabin (excellent) et Henri Vidal, à Marseille. Un film autour des milieux marginaux, du ‘small business’ garanti sans vertus bourgeoises. Passages au bordel, sans scènes explicites bien entendu, mais le vocabulaire et le cynisme constant compensent largement. De l’esprit (cru), pas de profondeur ni de direction dans le scénario ; côté pacotille. (52)

Merci pour le chocolat ** (2000) : Un Chabrol moyen, trois ans avant La fleur du mal, plus vicieux et du même niveau (plus saoulant aussi car trop désireux d’afficher et de choquer). Mouglalis joue une sorte de grande gamine futée, à la fois fragile et intrépide (le caractère de sa mère a dû largement forger cette apparence), ce qui donne un effet bizarre.

Son camarade Guillaume campe l’horrible abruti de service, un jeune type se montrant un peu réfractaire voire provocateur au début (lors du mariage), s’avérant incapable de discernement et de présence à tous niveaux ; vite ébranlé, forcément. Que ce personnage-là soit mis sur la touche est donc bien défendu, mais la façon dont la plupart s’évanouissent au fur et à mesure est moins évidente, ressemble davantage au résultat de lacunes de scénario.

L’évidence a éclatée, dès le début, semble-t-il. Dutronc est nonchalant sur le sujet ; les autres font semblant de rien trop savoir, qu’il n’y a là qu’un curieux concours de circonstance, une anecdote amusante au plus. Mais Mouglalis est bien là, en train de forcer l’édifice. Puis les soupçons sont balayés, le malaise se focalise ailleurs ; quoiqu’il arrive, la vérité sera derrière le personnage d’Huppert. Au fond c’était juste une énième variation autour de son aura de profonde névrosée – elle a réussi à se faire passer pour aimable pendant des années – et pendant la première demi-heure. (58) 

The Hole/ Le refuge ** (2001) : Côté satirique au début, concernant les rois du lycée, le milieu scolaire supérieur (et nanti), le conformisme et les groupes figés à l’université. Centré sur une ‘grosse’ invisible amie d’une espèce de INTJ sensible et mort de faim (‘friendzoné’).

Puis le jeu commence. Fondé sur une série de flash-back par rapport à un présent où les deux pré-cités sont survivants. Nous allons découvrir la vérité en même temps que la psychologue et les enquêteurs ; et surtout, pas simplement un nouveau points de vue, mais redécouvrir la réalité : on nous a menti sur les personnages, leurs relations, etc.

Film ‘ado’ accrocheur, plein d’effets de mise en scène superflus et tapageurs. Ne vaut pas The Faculty mais se montre plus téméraire. Avec deux acteurs qui seront très populaires dix ans plus tard : Desmond Harrington (grâce à la série Dexter) et surtout Keira Knightley. (62) 

Mauvaise graine ** (1934) : Premier film en tant que réalisateur de Billy Wilder (alors crédité pour une dizaine de scénarios), qui partage la casquette de réalisateur avec Alexandre Esway. Il quitte la France peu après et rejoint Hollywood où il entamera sa véritable carrière huit ans plus tard, en léguant la crème des comédies loufoques ou de mœurs de l’époque.

Apparition de Danielle Darrieux, au début de son ascension. Plusieurs têtes d’affiche sont assez médiocre, une autre partie du casting ne fait que passer pour cabotiner. Rythme efficace, style léger, scénario rempli et instable. Pas tourné dans des conditions théâtrales, d’où un relatif intérêt ‘documentaire’ concernant la vie à Paris en 1934, en tout cas celle des oisifs et des garagistes de luxe – avec une balade dans le sud de la France sur la fin. (48)

The Love Witch *** (2016) : Très inspiré des années 1970 – par la musique, l’esthétique (psychédélique ; les couleurs flashy ; etc), aussi dans son coté transgressif sombre et candide à la fois. Explore l’occulte et en cite de nombreux fétiches ou références – évoque la Wicca, l’arc-en-ciel (élément récurrent chez les anglo-saxons ; ‘somewhere over the rainbow’).

Les explications sur la sorcellerie, sur l’idéologie des ‘déesses primitives’, soutiennent une espèce de féminisme mystique. Les nymphos conquérantes ne sont pas des prédatrices absolues, vident voire tuent sans intention malveillante (sans grands états d’âmes pour l’autre non plus) ; c’est que les femmes qui doivent se faire aimer ainsi ! (même pas prendre le pouvoir, ce qui se produit pourtant).

Paradoxal (fumeux ?) mais beaucoup à raconter. Original mais se répète, n’évolue pas beaucoup – pour le scénario, les démonstrations (cultes, décollages ‘glamours’), les idées (rapports hommes-femmes, attentes et fantasmes respectifs). (68)

Manchester by the Sea ** (2016) : Assez typique du film soigné, très grave, sur des drames et vies de beaufs à la con. L’approche est pachydermique, l’instrumentalisation presque parodique (par exemple avec l’inconnu moralisateur dans la rue – ce qui rend la séance sympathique par le mauvais bout).

Les dehors sont raffinés, les méthodes conventionnelles, le fond vulgaire. Adagio (in G Minor) d’Albinoni est servi sur toute la nuit de l’incendie – et maintenu sur plusieurs scènes, y compris lorsqu’Affleck raconte cette nuit, avec sa façon crue.

La bêtise du personnage domine les autres aspects – sa dépression, son agressivité. Ce type continue à vivre alors qu’il en a perdu l’envie et peut-être ne s’en sent plus la légitimité. Nous observons une désintégration. Il y avait donc un terrain, mais les auteurs ont décidé de limiter leur perception à l’extérieur et aux interactions les plus turbulentes. L’ensemble des personnages féminins est bien débile aussi – une manifestation de la subjectivité de ce Lee ?

Sa résistance passive-agressive est le seul trait retenu – il faut dire qu’avant le drame révélé au bout des flash-back (et coupant le film en deux), c’était un sacré tocard. Par conséquent, peu importe les malheurs de ce type, lui et le film deviennent rapidement gonflants. Mis sous pression (en milieu de séance), il sera encore plus odieux ; un véritable abruti. (52) 

Fascination/Possessed *** (1931) : Joan Crawford en femme forte née chez les prolétaires, gravissant les échelons grâce à sa beauté et sa détermination – surtout grâce à la beauté, tant qu’il s’agit d’exister pour ses cibles ; ses ruses transparentes ne causent alors aucun dommage. L’essentiel du film se passe quelques années après son intégration éclair (lors de son arrivée à New York).

Belle fin. Dommage que l’écriture ne vise pas plus large ni profond.

Dans une courte scène, le potentiel ‘bienfaiteur’ de Crawford fait l’inspection de sa recrue, commente ce que dégagent les grands axes de son visage (bouche affectueuse, donc à cacher, etc). Dommage que le film ne multiplie pas ce genre d’exemples cyniques, concrets et ‘ludiques’ ; il fait plutôt partie de ces productions théâtrales très bavardes, pleines de joutes et de confrontations avec muselière.

Par Clarence Brown, réalisateur de Flesh and devil. Avec Clark Gable sans moustache. (74)

Non coupable *** (France 1947) : La revanche d’une crapule. Met du temps à décoller, peut-être surchargé, mais le personnage de Michel Simon, ses motivations et les dialogues sont très réussis. Troisième réussite d’Henri Decoin à me passer sous les yeux. Bon aussi en tant que film sur l’alcoolisme, la solitude, le dégoût et la médiocrité d’un individu. (72)

Contre-enquête *** (France 2007) : Bon thriller mais à proscrire aux amis de la subtilité. Les dégaines des trois pervers (dont un au passage éclair) sont bien marquées – c’est l’occasion de vérifier le talent de Jean-François Garreaud, étrangement crédible dans le costume d’un type bousillé depuis sa tendre enfance et légèrement retardé à l’arrivée. Dujardin finit par évoquer OSS 117 dans ses moments les plus raides.

Quelques répliques bien pittoresques, comme : « J’ai fait des conneries dans ma vie mais faudrait pas tout me foutre sur le dos » (le tueur de quatre enfants) et « Tu vas voir ce que ça fait de se la prendre dans le cul quand t’es pas d’accord » (à Laurent Lucas). (64)

Pension Mimosas *** (France 1935) : Sur la relation entre une mère de substitution et son fils, lors de retrouvailles après que celui-ci soit devenu un gigolo parisien. Petite apparition d’Arletty. Dialogues de qualité, style ‘droit au but’ et énergique. (74)

Les manèges humains ** (Canada 2013) : Une fille accrochée à sa caméra, initialement pour tourner un film professionnel, accumule les entrevues centrées sur la sexualité. Au milieu du film son excision est révélée. Hormis pour le voyeurisme, ce film ne sert et dit pas grand chose – mais évoque le fantasme de la vierge offerte. La confession donne le seul moment à retenir. Les réactions (des deux hommes impliqués) sont étirées sans gagner en valeur ou en profondeur. Sur le même sujet, voir Fleur du désert. (48)

Le domino vert ** (France 1935) : Tourné par Henri Decoin aux débuts de sa carrière et de sa collaboration (et relation) avec Danielle Darrieux. Produit avec une version allemande en simultané par Herbert Selpin. Très bavard, avance lentement ou pour pas grand chose et s’enlise dans la seconde moitié, mais au moins ‘parle’ franchement. (46)

Froid comme la mort ** (1986) : Film d’Arthur Penn ultra-kitsch, Dead of Winter pourra plaire aux adeptes de Brian De Palma et d’Hitchcock à ses heures les plus désinhibées. Réserve de beaux moments d’appels au secours désespérés et de paranoïa justifiée, mais aussi de face-à-face grotesques et d’horreur sans hémoglobine. Se prend facilement avec humour (l’encourage vu l’abondance de détails lourdingues), mais trop luxueux et raffiné pour un ‘nanar’ même de qualité. Final plus clairement dans la farce (et en allant au bout du grand-guignol), sans perdre en charme et en intensité. Dans un registre proche, voir aussi Dead Again et Témoin muet. (6)

Le diable dans la peau *** (France 2013) : Interpelle grâce à l’acteur principal (enfant/ado), un style très sombre et une certaine originalité. Trop jaloux de ses secrets pour se développer à bon escient. Peut plaire quand on a aimé les trois opus actuels de Laugier. Tourné en Corrèze, tout se passe à la campagne (sauf scènes dans le train). (64) 

Mud sur les rives du Mississippi *** (2013) : Meilleure expérience personnelle avec un film de Jeff Nichols, après avoir été très dubitatif face à Take Shelter puis Shotgun Stories (pas vu Midnight Special ni Loving sortis récemment). Vaut pour la forme, le fond est trivial et presque désuet, mais le rythme est efficace et la sensibilité vive. Peut devenir saoulant à force avec ses histoires d’amour déçues et les leçons de vie sur le sujet ; a trop peu à dire et ses personnages ne le prononcent pas assez bien. Casting excellent, enfilant des costumes sans complexité. (64)

Aux frontières des Indes *** (1959) : ‘Ordure cosmopolite’ rapidement spotted ! Elle a le statut d’antagoniste de braves sujets de la couronne britannique. Le méchant de service est un malpropre (et une fouine comme sa profession l’indique), mais il a tout de même droit à la parole. L’establishment britannique est clairement désigné lorsqu’on entonne l’air d’Eton Boat Song (que je connaissais grâce à sa parodie horrifique dans Society).

Les décors sont magnifiques, la narration et les répartitions efficaces ; le plus important (et éventuellement gênant, quoique cela semble peu relevé et pas au point de le pénaliser) c’est que nous avons à faire à un film de colon. Le moralisme est ‘cool’ mais jamais flexible au point d’être innocent.

Au-delà de cet aspect précis, le film diffuse en abondance des laïus bien-pensants, des réflexions très générales sur les relations humaines ou entre sexes – avec une certaine délicatesse dans la forme. Il a aussi un réel charme, capable de dissiper les résistances critiques et d’enchanter un public candide.

C’est un des premiers films ‘remarquables’ de Jack Lee Thompson, plus tard ‘director’ des Canons de Navarone, des Nerfs à vif première version et de deux suites dans la saga Planète des Singes. (68)

Domino * (France 1943) : De l’esprit, de l’humour, mais aussi de l’erreur de casting, en plus de celles en interne. Se dégonfle progressivement, les interprètes masculins perdant en crédibilité, la mise en scène peu vive ne colmatant rien. Bernard Blier apparaît dans un de ses premiers rôles. Adapté d’une pièce (éponyme) de Marcel Achard (1932). (42)

L’assassin est à l’écoute * (France 1948) : Vingt minutes au début dans la salle de radio, aussi grande qu’un plateau de jeu télé bien peuplé. Enquête le reste du temps. Scénario lourd et superficiel, cabotinage généralisé. Décousu. Certains dialogues complètement cons. Les pics de violence sont encore moins crédibles que les déguisements des deux malfrats vers la fin. Parfois, de jolis décors, ou avec un relatif intérêt ‘documentaire’. Les deux personnages féminins sont plus sympathiques. (34)

Le camion blanc ** (France 1943) : Road-movie sympathique mais pas lumineux. Typique des petites/moyennes productions ‘à gros tirage’ de l’époque, versant récréatif. Une histoire fondée sur quelques embrouilles et un truc insolite (ici, le camionneur sous le signe du destin). Quasiment aucune seconde sans parole. Acteurs connus ou récurrents de l’époque (comme François Périer, sept ans après Hôtel du nord). Mise en scène plate, rigide par défaut. (46) 

Cécile est morte ** (France 1944) : Adaptation réalisée par Maurice Tourneur (tourné entre La Main du Diable et Le Val d’enfer) du roman éponyme publié en 1942. Ponctuellement, voix-off de liseur du roman. Quelques monologues intérieurs du commissaire, dont l’interprète est dépourvu de charisme. Sympathique mais pas typique ni enrichissant pour l’univers Maigret. (56)

Le jour de la haine ** (Italie 1967) : Western mélo, surfant à plusieurs niveaux sur la popularité de Django et des ‘Il était une fois’ encore tout frais. Qualités de mise en scène et superbes décors, interprétations et ‘trucs’ proches du cartoon posé, dialogues cons. (56)

L’imposteur ** (USA 1944) : Signé Duvivier, film pompeux à forte fibre patriotique tourné aux Etats-Unis pendant la seconde guerre mondiale. Cite De Gaulle. Faible intérêt en-dehors de cette fonction et faible scénario ; pas beaucoup plus riche que Le Messager sorti onze ans avant où Gabin s’égarait aussi en ‘mission’ loin du sol français. Jolie intention avec cette conversion de l’ancien condamné à mort sans foi ni attachements ; mais que de bavardages et tout est contrit (d’où un Gabin ‘faux’ comme rarement). (46)

Antibirth * (USA 2016) : DTV tapageur avec sujets vulgaires et bons interprètes (les deux principales sont Chloe Sevigny, déjà vue chez Larry Clark et dans American Horror Story – et Natasha Lyonne, découverte pour ma part). ‘Carré’ et débraillé, axé ‘mauvais goût’ psychotique/psychédélique, conventionnel et sérieux dans son genre d’écumeur de poubelles. Potentiel évident. Divertissant et assez rigoureux à sa façon, mais mou en action comme en imagination et finalement débile dans le body horror et l’écriture. S’arrête au pire moment, en soulignant sa somme d’impuissances. Pour ceux qui se sont épris de Dremcatcher. (42) 

Capitaine sans peur ** (USA 1951) : Film de Raoul Wash (L’enfer est à lui, Le voleur de Bagdad) où Gregory Peck interprète le personnage Horatio Hornblower (héros né sous la plume du britannique Cecil Scott Foster), lui-même inspiré de l’amiral Thomas Cochrane. Démarre de façon prometteuse et s’englue rapidement dans les sentiments. La bataille à la fin ‘fait le job’ mais tout ce déroulement est très mécanique. Décevant en tant que film d’aventures, sans intérêt tout court. Délaisse les mystères et prend les personnalités par le bout ‘soap’ de la lorgnette. Reste la mise en scène et les décors, au bénéfice du plaisir fétichiste du cinéphile et du nostalgique/rêveur. (52)

Il était une forêt ** (France 2013) : Troisième film de Luc Jacquet, après La Marche de l’Empereur puis Le renard et l’enfant. Avec le botaniste Francis Hallé. Pédagogique, délicat, presque doté d’odeurs mystiques. Commentaires assez triviaux (hors-informatif) et écriture bien légère. Les ‘pousses’ artificielles sont envahissantes à en devenir laides. (58)

La garçonne *** (1936) : Adaptation homonoyme du roman (à ‘scandale’) de Victor Margueritte (1922). Sort après une version censurée (1923) ; une autre sortira en 1957. Une jeune fille (jouée par Marie Bell), qui a vécu jusqu’ici à la campagne chez sa tante est rappelée à Paris par ses parents et bientôt mariée. Elle rompt avec sa famille et un certain conventionnalisme, mais pas avec les loisirs de la ville ; elle se jette dans d’autres milieux parisiens et se développe socialement, monte son entreprise avec l’aide de l’entremetteuse jouée par Arletty.

Le film ne s’étale pas sur les côtés licencieux, ni trop tristes. Il contient les éléments ‘chocs’ du livre sur un mode très atténuée (ses nouvelles fréquentations, l’opium et la bisexualité). La mise en scène est assez elliptique. Quelquefois, un peu dans la déclamation, l’assertion empruntée (l’ouverture notamment) ; mollasson sur la fin et d’une théâtralité étouffante.

Sorti deux ans après l’instauration du code Hayes aux USA, le film est complaisant avec Monique, soutient son opposition aux mœurs bourgeoises, à l’intéressement des parents. Il devient doux voire confus, plutôt que ‘recadrer’ à partir du désir d’enfant et de la relative normalité acquise par la protagoniste.

Petit rôle d’Edith Piaf. (68)

En équilibre ** (2015) : Film sur le dépassement de calibre téléfilmique et gentillet. En mode ‘oui c’est possible – mais restons prudents, aérons-nous simplement’. Doucereux, futile, s’apprécie et s’oublie vite, sauf pour des instants ‘perçants’ (et complaisants). Les doublures sont visibles, les raccourcis et fautes de cohérence aussi. À voir pour le duo Cécile DeFrance/Bernie, tous les deux bien vieillis mais sur des chemins positifs. Dommage qu’une année de mise au point soit zappée ; c’est là qu’allait se passer le plus intéressant. Le film est tourné en Bretagne – une scène passe par les marais salants. (46)

Princesse Tam Tam * (France 1935) : Notable pour la participation de Joséphine Baker, qui chante à deux reprises. Rencontre de deux cultures : on fait difficilement plus niais. ‘L’époque’ ne doit pas être la seule raison, car elle n’a pas empêché les auteurs de cumuler les sous-entendus lubriques – ou souligner le cynisme en société (avec cette fausse distance critique typique des mondains hystériques).

Avec ou sans cela, c’est le cinéma français de l’époque – celui de la mauvaise pente – dans toute sa médiocrité mais en mettant le paquet (en termes de décors, de casting -avec sa guest- ; avec les éternelles intrigues romanesques guillerettes et mal embranchées ; ici l’exotisme en bonus).

Ni rythme ni fluidité, écriture paresseuse et bordélique, direction d’acteurs catastrophique ; souvent de jolis plans et quelques prises non-triviales (la rafale de coups de téléphone, le spectacle à la fin), mais aucune performance à retenir au détail, hors des parties musicales (au bar avec les Noirs). Les moyens sont là et pour le reste on ‘bourre’.

Dans le dernier plan, un âne dévore la couverture en papier d’un livre nommé ‘Civilisation’ – dans la joie et l’allégresse, loin des ‘snobs’. On est lo’. (28) 

Coherence *** (2014) : Thriller/SF à petit budget. Séance à envisager comme un cauchemar, passant par des moments logiques et suivant un canevas qu’elle détraque un peu à loisir.

Certaines cachotteries ajoutent au mindfuck – vient un moment où il n’est plus certain que tout ça tienne. L’isolation du groupe (et de ses variantes) par rapport au reste de la ville n’est jamais bien précisée ; tout ce qui fait le cadre n’est pas défendu. Autre problème : pourquoi ces gens évitent des initiatives rationnelles et conjointes ? L’audace d’Emily peu avant la disparition de la comète permet de balayer l’essentiel de ces flous. Le final garanti de gros effets et pas des réponses rigoureuses, même si cette sortie se justifie humainement.

Des points communs avec The Invitation (mais le dîner est plus chaleureux et les membres aimables), Timecrimes/Los Cronocrimines et Would you rather. (68) 

L’envers du paradis * (France 1953) : Par le réalisateur de Princesse Tam Tam, juste avant Port du désir avec Gabin. Sentimental complet avec une pointe d’humour ‘piquant’ mielleux (efficace contre le flic, sûrement car son cas n’a rien de romantique). Dans sa phase enquête et prises de têtes, fait des mystères en excès et à rallonge. Insipide et interminable, mais jamais gênant ou agaçant – et même mignon quand le romantisme s’accomplit. Le marin échoué là est Eric von Stroheim en mauvaise condition. (42)

El Dorado ** (1967) : Huit ans après Rio Bravo, Howard Hawks dirige une sorte d’auto-reboot. El Dorado égale voire dépasse son grand frère en abandonnant la mièvrerie des familles. Il commence bien mais manque de nerf et de gravité. Robert Mitchum en alcoolique vaillant est le seul véritable motif d’amusement à partir de la remontée en scelle du shériff. John Wayne est fort badass, sans forcer, mais aussi en train des vieillir. Les américains essaient d’être plus légers voire tremper dans le second degré, ce qui ne va pas aider à dominer la vague italienne dans le western. (58)

Fast and Furious 6 ** (2013) : Quatrième opus d’affilée réalisé par Justin Lin, qui aura plutôt convaincu après la tentative Tokyo Drift et surtout avec le 5e épisode. Le sixième reprend l’action immédiatement après. Souvent drôle dans la première moitié, surtout avec le snob agressif puis servile. Tente un certain romantisme avec la manipulation de l’amnésique (Michelle Rodriguez). Un peu long, mais remplit son contrat. (52)

Tonnerre ** (France 2014) : Film doux avec des gens ‘du réel’ et un peu bohèmes. Par le réalisateur d’Un monde sans femmes avec un acteur fraîchement hype (Vincent Macaigne). Léger jusqu’à une rupture due à un excès de sensibilité du protagoniste. Après sa réaction agressive, un bizarre apaisement. (58)

Viktor and Viktoria *** (Allemagne 1933) : Basé sur un (faux) travestissement pour raisons professionnelles, avec bientôt un objectif romantique additionnel. Approche bon enfant sans devenir niaise. Le Viktor initial est assez exalté pour paraître en état d’ivresse dans ses moments normaux ; ses simagrées en rajoutent et accompagnent naturellement le film dans ses écarts vers la comédie musicale. La séance s’améliore en lui accordant moins d’attention et se concentrant sur l’héroïne (Susanne en ‘Mr Victoria’ – par Renate Muller), embarquée dans un double combat.

Aujourd’hui le film peut être repéré grâce au Victor Victoria produit en fin de carrière de Blake Edwards. Il a été l’objet de plusieurs autres remakes, tous antérieurs (ce dernier aurait-il intimidé les prétendants ?) : une version anglaise dès 1935, une allemande en 1957. Schunzel lui-même tournera une édition alternative française nommée Georges et Georgette. (68)

Premier vainqueur du Top Hebdo qui ne sera pas l’objet d’une critique. Il arrive de très peu devant The Last Girl (67), sortie récente et critiquée.

Effets secondaires ** (USA 2013) : Cet opus de Soderbergh rappelle particulièrement Contagion sur la forme (avec l’aspect oppressant des milieux urbains) et Erin Brokovich pour son postulat ; il évolue vers le thriller plus conventionnel ensuite. La charge directe contre la psychiatrie n’a pas lieu, mais la médicalisation pathologique de la société reste indiquée jusqu’au-bout (pubs pour médicaments ; réflexe ancré, recours pour accompagner le travail, la vie sociale, dans les hautes sphères même avec une compétition modérée ou déplacée). Elle sert également le suspense et montre des méthodes à haut potentiel pour les ‘méchants’ ou n’importe quel type malveillant dans un film de ce genre (quand vient l’heure de l’arrangement où les salauds ou demi-salauds se sont confondus depuis longtemps). (62)

Ned Kelly * (Australie 2003) : Sur le fameux bushranger, objet du possible premier long-métrage (l’australien The story of Kelly Gang produit en 1906). Pompeux et idéalisant, avec bande-son hystérique et casting en or (certains acteurs, comme Heath Ledger, étant alors encore à leurs débuts de haute notoriété ou de starification). Seul les physiques ne sont pas ‘surfaits’ ou lissés : un point positif. Direction d’acteurs (mâles) et décors ‘impeccables’, éclairages sombres et cajoleurs. (38)

Le grand méchant loup * (France 2013) : Triviale histoire de double cocufiage et d’ennuis des messieurs dans le mariage. Névroses superficielles de bourgeois franciliens insipides. Comédie écrit avec le cul réunissant toute la fine fleur des super-beaufs de France, avec les nouvelles types venues de Canal. Les personnages de Kad Merad et Léa Drucker ont un petit potentiel. Pas 100% non-drôle mais d’une longueur ressentie phénoménale. Inspiré d’un conte, Les trois petits cochons, qui ne semble pas peser lourd. Dans le même registre, j’avais été réceptif aux Infidèles. (26)

Le fruit défendu ** (France 1952) : Tiré du roman Lettre à mon juge (1947) de Simenon, deuxième film réalisé par Verneuil avec Fernandel dans le rôle principal. Interprètes de qualité, mais ensemble trop long, remplit poussivement ‘entre les lignes’ du récit. Tourné à Arles et Marseille. Parlera probablement davantage aux hommes ‘d’âge mûr’ plus ou moins concernés. (58)

La rose écorchée ** (France 1970) : Série B sentant l’heure de la ‘libération sexuelle’. Directement inspiré des Yeux sans visage. Mise en scène abrupte, avec des manières caricaturales sensationnalistes, parfois jolies ou relativement sophistiquées (les flous, les cadrages subjectifs), d’autres fois à la limite de la bouffonnerie agressive. Cette brutalité ne compense pas un développement trop lent et le manque d’épaisseur – et ne rehausse pas le niveau des bagarres, les seules vaguement crédibles étant les chahuts ‘sexuels’. Le film a tout de même de bonnes idées et des pics grand-guignols en réserve. Certains acteurs, surtout femmes, donnent un jeu très théâtral en restant agréables. Moins fluide et divertissant que le futur Les prédateurs de la nuit. (52)

Fenêtre sur Pacifique ** (1990) : De Schlesinger, auteur de l’excellent Marathon Man. Thriller à base d’harcèlement ‘passif’ ou maquillé, avec un locataire parasite. N’appuie pas assez sur les ressentis spécifiques et les conflits, pose un regard très ‘neutre’ tout en s’envolant vers les lourdeurs autour de son ‘méchant’. Très marqué et typique du genre à son époque. Pour quelque chose d’un peu plus ‘pénétrant’ il faut voir plutôt JF partagerait appartement de Schroeder sorti deux ans après. (52)

Lamb / Zeleke ** (Éthiopie 2015) : Probablement le premier film que je vois de cette nationalité et un des rares africains dans ma collection. Connu internationalement grâce à sa sélection pour les Oscars étrangers de 2016 (également projeté à Cannes en 2015 dans ‘Un certain regard’).

C’est aussi un premier film avec un garçon de huit ans lancé dans une nouvelle vie, avec des parents de remplacement. Il va longtemps traîner sa brebis, seul objet restant de sa mère. Le film est gentil mais pas très enrichissant, sinon pour le coup-d’œil qu’il permet de jeter sur un ‘ailleurs’ (beaucoup de temps autour de la bouffe). Propret, ne secouera personne, mais fera se balader virtuellement sur les hauts plateaux. (48)

Anthony Zimmer ** (France 2005) : Mise en scène efficace pour le suspense et pour allécher, justifiant la qualification du réal pour l’adaptation de Largo Winch – j’ai pensé à la BD. Mais le scénario rocambolesque s’auto-intoxique. La révélation finale balaie trop d’éléments injustifiables (j’en ai douté car elle m’apparaissait trop débile, impossible à assumer hors d’un état d’esprit nanardophile). À trop vouloir ménager ses super-effets le film bousille toute sa charpente. Il faudrait n’avoir aucune mémoire, être totalement submergé et acceptant, pour être ‘ébloui’ ; d’autant plus qu’à ce niveau de ‘libertés’, il n’y a plus rien de malin dans un twist.

Un remake américain est sorti cinq ans après : The Tourist avec Angelina Jolie et Johnny Depp, qui semble un mauvais client pour la relève de l’anté-glamour Yvan Attal. (48)

Cent mille dollars au soleil ** (France 1964) : Noir et blanc, avalanche de bons mots, pas très dense en terme d’aventures et rebondissements peu remuants. (56)

La barbe à papa *** (USA 1973) : Le film le plus connu de Peter Bogdanovich après La dernière séance. Choisi le noir et blanc. Au Kansas pendant la Grande Dépression. Du Lolita passif-agressif et des Raisins de la colère retournés. Les personnages ne sont pas spécialement aimables, plutôt d’un cynisme ‘blanc’, sans arrières-pensées, devenu seconde nature de ces déshérités.

Remarquable pour son enfant manipulatrice et donc en avance, consciente – performance saluée par un Oscar de la meilleure actrice dans un second rôle pour cette fille de 9 ans (Tatum O’Neal). Serait un des films préférés de Fincher. (64)

Sicario (USA 2015) ** : L’intro est excellente, puis Sicario se tasse après le lancement de l’opération mystère. La fille est borderline et tremblante en excès – sa psychologie faible est à l’avant-garde, puisque les caractères sont progressivement évacués, au bénéfice de la cavalcade soap, à la limite du nanar d’exploitation avec grosses idées/gros postulat. Joue le film engagé, dur, pour des intrigues pompeuses et conventionnelles. Si vous en voulez plus sur les trafics, essayez Cartel Land.

Finalement c’est du Villeneuve as usual : ça arrive avec majesté et se déballonne avec la plus grande des délicatesses, en gardant une forme pimpante et anxiogène. Trop de façons pour en venir à nous dire que les flics et les bandits sont les mêmes. Prend des détours, laisse en suspens, pour attendre la toute dernière partie où tout se règle et s’affiche avec grandiloquence. On se croirait devant un petit frère vaniteux de No country for old men.

Induit peut-être en transe ceux qui s’y tiennent, car ne ‘lâche’ jamais sa ligne. (52) 

La French ** (France 2014) : Par un réalisateur marseillais dans son premier film solo. Film de gangsters français avec le face-à-face des deux grosses stars glamour locales (déjà réunies et même soudées dans Les Infidèles).

Tiré d’une histoire vraie (celle du juge Michel et du truand Zampa), elle-même appartenant au trafic international d’héroïne démantelé en 1975 nommé la ‘french connection’ (illustrée par Friedkin dans l’œuvre homonyme de 1971).

Les deux têtes d’affiches, voire Magimel inclus, ne sont pas nécessairement crédibles dans leur rôle, mais l’écriture est suffisamment ‘réaliste’ et viscérale pour mettre de l’équilibre. Particulier dans ses choix d’ellipses ou d’étirements. Quelques incohérences ou flous dans les formes secondaires. (56)

Caught / Pris au piège ** (USA 1949) : Opus suivant Lettre d’une inconnue dans la carrière de Max Ophuls – une adaptation de roman également. Histoire d’un mariage intéressé pesant très lourd à une jeune femme dont on ne sait trop si elle est aliénée, rongée par l’ennui, ou entre les mains d’un monstre modéré. Robert Aldrich (Vera Cruz, Baby Jane) était assistant réalisateur pour ce film.

Sur un thème similaire, plus cynique et compassionnel, mieux vaut voir Fascination. (52)

The Bible – In the beginning ** (USA 1966) : Film forcément d’une ambition extraordinaire, pris en charge par John Huston et financé par les écuries De Laurentiis. Le film représente les 22 premiers chapitres de la Genèse et le réalisateur joue Noé. Images somptueuses.

Moins soucieux que Le Message d’Akkad d’en rajouter sur la morale ou d’écarter le reste (l’Histoire et les histoires) et surtout mieux doté pour le budget et les décors. Plutôt synthétique et équitable (sauf pour Noé et Abraham qui prennent une plus large place), mais perd de sa fluidité en avançant.

Les mauvaises notes générales viennent probablement d’un ‘front’ de frustrés naturels. Les chrétiens qui pourraient ne pas apprécier de voir le grand livre mis en forme, ou trouver inappropriée la sensualité de certaines scènes et de la direction d’acteurs. Des athées et les ‘cartésiens’ pourraient s’agacer de voir des ‘énormités’ ainsi sublimées. (62)

Un tramway nommé désir *** (USA 1951) : Cette fameuse adaptation de Tennesse Williams souffre d’une grave erreur de casting, sinon d’une hypocrisie remarquable. Marlon Brando est censé être ‘bestial’ ou ‘commun’ : sa belle-sœur le lui reproche, les autres acquiescent. On lui refile des tournures se voulant caractéristiques (des prolos) et un boulot ingrat (de prolo) et l’illusion doit opérer ; le spectateur voit sa plastique ‘parfaite’ (et hors-norme par ce qu’elle réunit d’apparemment contradictoire). C’est un ouvrier au physique de boxeur et à la tête d’ange, nullement abîmé. Enfin il est fréquent que les gens du cinéma oublient de souiller leurs interprètes de miséreux ; alors forcément, quand ils en tiennent un spécialement glamour, l’ajustement devient impossible.

Cet élément gêne assez peu le spectacle, l’essentiel étant tenu par Vivien Leigh, avec son personnage exagérément dramatique et aux grandes postures esthétiques. Le film reste dépendant de son modèle ; les scènes sont longues, ‘étroites’ par ce qu’elles disent ou explorent et les restrictions physiques du théâtre se sentent également. Les personnages sont assez statiques et le flux de laius contient une majorité de choses inutiles. Les considérations sont toujours très particulières, sauf recours aux vérités générales ou traditionnelles.

Sur Wikipedia on peut lire « C’est un film mythique qui annonce l’irruption des pulsions sexuelles dans l’univers cinématographique hollywoodien jusque-là très feutré ». Or ce Tramway sort pendant la mode freudienne et arrive 20 ans après la courte époque des ‘films pré-Code’. Ce genre de justifications de la réputation du film semble conditionné par les réalisations à venir d’Elia Kazan. (64) 

Mata-hari, agent h21 ** (France 196) : Artificiel et éparpillé. Les acteurs ne sont pas fautifs, mais ne font que se croiser. Tournicote entre l’espionnage et la fantaisie historique pour s’étaler dans le tragico-romantique professionnel. (50)

La maison Russie ** (USA 1990) : Sorti peu après À la poursuite d’Octobre rouge. Film d’espionnage de toute fin de Guerre froide. À voir principalement pour le couple formé par Connery et Pfeiffer. (56)

Limitless ** (2011) : Très bon comme divertissement voire comme comédie noire, à condition d’accepter une certaine naïveté (dérisoire par rapport au Lucy de Besson). Elle pose quand même quelques problèmes notables : soudain, pour l’amie de Cooper, l’optimisation des capacités se traduit par des perceptions sensorielles de cyborg ; on devine des choses plus vite que le surdoué artificiel ; puis il y a ce foirage final. La séance se suit sans ennui et avec quelques enthousiasmes. (62)

Starbuck ** (Canada 2011) : Pas si mauvais que je le redoutais, mais mielleux et conciliant au lieu de prendre son sujet à bras le corps. Le postulat est insolite, les personnages gentils, l’écriture pas brillante. L’ambiance est douce et pas désagréable, sans être accrocheuse. L’origine québecoise doit être pour beaucoup dans la popularité du film (bien achalandé pour son pays et avec des accents et tournures amusantes pour les étrangers francophones). (46)

De l’autre côté du periph * (France 2012) : Ce film engage Omar Sy un an après Intouchables, pour servir sa volonté de créer (lancer?) une Arme fatale française (cite Le flic de Beverly Hills et Le Professionnel). Le résultat peut attirer la sympathie mais sûrement pas l’admiration. Le film joue à fond et exclusivement sur les oppositions – avec un personnage original pour le cinéma dans ce genre de postures, mais plutôt commun au fond : celui de Laffite. Il incarne un jeune connard droitiste arrogant, cynique et soucieux de son image. De quoi valoriser son côté psychopathe (voir Elle). Pour le reste, c’est trop banal, avec des bouffées racoleuses et une capacité modeste mais certaine à amuser. Le récit sera rattrapé par la démago, après l’avoir employée mollement. (38)

L’Homme qu’on aimait trop ** (France 2014) : Septième collaboration de Téchiné avec Deneuve pour une commande manifeste. Tiré d’un faits divers des années 1970, prend le parti ‘contre’ le tueur présumé, interprété par un Canet assombri, quelques mois avant La prochaine fois je viserai le cœur. Deneuve apparaît vieillie et rabougrie à la fin (Canet aussi, mais là il n’y avait pas d’image à entamer). Les acteurs sont convaincants mais l’ensemble est tiède, à force de louvoyer. (54)

Equalizer ** (2014) : Adaptation d’une série diffusée sur CBS en 1985-99. Sombre et énergique, sans entrer dans la débilité ou la confusion visuelle – la réalisation a été confiée au director de Training Day. Le protagoniste est dans la continuité pour Denzel Washington et relève du vigilante movie. Ses capacités très développées avant d’entrer dans le lard rappellent Limitless – mais dans celui-là rien n’est si méthodique ou méritoire. Malgré ses gadgets ce Robert utilise son corps, s’expose et subit les mêmes limites que beaucoup de monde (transports en commun, marche à pied, boulot sans gloire le jour). Quelques très bonnes scènes (confrontations où la violence est retardé ou déplacée ; ou certaines scènes lourdes de symboles brillant surtout par leur texture). (58)

Tout le monde n’a pas eu la chance d’avoir des parents communistes ** (France 1993) : Entre les clichés balourds plus posés et la tendresse. Sans hystérie mais peu réfléchi aussi. Josiane Balasko montre l’étendue de ses talents. Quelques courts instants ou dialogues pour refléter la valeur du communisme pour les gens. (48)

Flic ou voyou ** (France 1979) : De Lautner avec les dialogues de Audiard. Marquait le retour de Belmondo après deux années sabbatiques ; lancement d’une nouvelle période, où il allait devenir une caricature. Du rocambolesque mais trivial dans tous ses ressorts, dans le cabotinage à tous les niveaux et presque aussi creux que Ne nous fâchons pas. (48)

Devdas ** (Inde 2003) : Largement diffusé en Occident en 2002-03, Devdas fait partie des rares films indiens actuellement connu par nos foules. Il est responsable de la popularisation de Bollywood, industrie de comédies musicales (gratinées) dont cet opus reste un des plus luxueux. Adaptation du célèbre écrivain bengali Chattopadhayay (‘Chatterjee’) et de son équivalent de Romeo & Juliette local. Tient ses promesses. (60)

Danger : Diabolik ! ** (Italie 1968) : Vu sur Arte où il est désigné comme un « nanar » jubilatoire. Tiré d’une série de fumetti (BD italiennes) nommée Diabolik. Certainement mieux équipé et plus habile mais pas plus passionnant que Flash Gordon ou les berezina semi-volontaires dans ce registre. Très créatif quoique typique des fièvres esthétiques sixties. Certaines productions audiovisuelles (clips, Austin Powers) recyclant les logorrhées chromatiques et érotiques de l’époque passent par ce film ‘culte’. Les acteurs et personnages y sont peu importants ou accablants (Piccoli semble égaré ou retenu de force), quoique pas autant que le scénario. Bava avait déjà versé dans le psychédélique avec The Trip. (46)

Doctor Dolittle * (USA 1998) : Vu en VF avec donc un sifflement désagréable pour le hamster. Humour infantile, potache et scato. Eddy Murphy est très bon comme d’habitude. (36)

MINI – CRITIQUES : MUBI (2)

4 Oct

Le révélateur *** (France 1968) : Second film (suivant Marie pour mémoire) de Philippe Garrel, à seulement vingt ans ! Tourné en Allemagne immédiatement après les événements de mai 68, avec Laurent Terzieff, ce Révélateur est un opus notable aux rayons ‘expérimental’ et ‘arts & essais’. Il présente un onirisme plus ou moins terrien, domestique et existentialiste ; est probablement bercé de psychanalyse, ou ouvert à la chose.

Autour d’un enfant d’abord secoué voire effrayé par ses parents, traîné par eux dans leurs escapades, les libérant parfois. Leur relation, leurs gesticulations sont un spectacle et une source d’éveil ou de distraction pour lui. Il est au chevet de parents vivant dans la peur, que lui ne comprend pas ; comme eux fuient le monde, lui se détachera bientôt de ces malheurs et ces menaces supposées dont il ne voit que les effets.

Triomphe de l’enfant, de son élan vital et de son optimisme ; sur des parents déboussolés, parfois l’utilisant, à d’autres moments tentés de l’abandonner et se retrouver. (64) 

Les hommes qui marchent sur la queue du tigre * (Japon 1945) : Quatrième film de Kurosawa, entre suspense (besogneux) et comédie (ultra-pudique sauf pour les mimiques). Tout est ultra-appuyé (farces, faciès, symboles), les longueurs s’accumulent, parfois sans raison. Tiré d’une pièce de théâtre, en garde l’esprit et les raideurs obligées, la lourdeur du mouvement. Faible intérêt pour l’espace, sauf au début et via la micro-exception finale.

Resté censuré par le gouvernement d’occupation américain jusqu’en 1952. Clairement le moins bon de Kurosawa vu à ce jour. ‘Tora no o wo fumu otokotachi’ en VO, ‘The men who tread on the tiger tails’ en anglais et ‘Qui marche sur la queue du tigre…’ sur MUBI. (38)

Le lit de la vierge * (France 1969) : Errances froides à rallonge, débouchant sur beuglages de Pierre Clémenti – appelant « mon père » à son secours, car il voit bien qu’il n’arrive à rien. Sinon, divers échecs assortis de cris de terreur, pour illustrer le désarroi du Christ de retour aujourd’hui. Pas de confrontations, pas de séquences avec ou sans moralité, prise de conscience – mais des successions de monologues décalés et de saynètes allégoriques obscures.

Bref, c’est en plein dans ‘l’expérimental’ complaisant avec substrat intello ‘mystique’ – ça en emploie toutes les recettes, jette peut-être plus de mots que la moyenne. Ce qui en distingue plus nettement est le niveau technique – confirmation d’une photo de qualité propre aux travaux de Garrel, après Le révélateur (Michel Fournier déjà à la tâche) et avant Les hautes solitudes.

La recomposition familiale est fidèle : le père est Dieu, le fils et ‘l’homme’ (conscient, émotif, probablement) sont en Jésus. Même actrice pour la (mère) vierge Marie et pour Marie-Madeleine : ohlolo la psychologie des profondeurs est de sortie !

Tourné en Bretagne au début puis à Marrakech. Un peu de musique locale, ou de hippie avec Nico pour le vocal. Au même moment, Bunuel livrait une autre version athée d’un tel phénomène, parmi les sketches et hérésies distanciées de La voie lactée. (28)

Un conte de Noël ** (France 2008) : Premier contact avec le cinéma de Desplechin. Reste aimable malgré la longueur et les remous. Deuxième de la trilogie Dédalus, autour d’une famille bourgeoise parisienne, genrée artiste – à ses heures catho dissipée (se reposant sur les vieilles traditions pour digérer leurs soirées). Ambitionne Bergman (dernière période) ; un Fanny & Alexandre au présent.

Amalric tient le rôle d’un canard boiteux et fier de lui. Il laisse quelques-unes des meilleures répliques à sa ‘mère’ Deneuve, en besoin de greffe. L’ado, Paul, présumé ‘fou’ apparaît surtout à terme comme un égaré mou. Anne Consigny joue une connasse, de type chouineur, haineux et pseudo-moral. Emmanuelle Devos ressemblerait à Angela Basset : what the fuck ? Divisé en trois, ce conte aurait donné un soap sans suspense. (50)

Chien enragé ** (Japon 1949) : Kurosawa tourne avec sa star Mifune et son camarade Shimura. Mifune joue un détective moralement embarrassé par l’arme d’un crime. Kurosawa l’a dirigé juste avant pour L‘Ange Ivre, ils sont aux débuts de leur riche collaboration (16 films).

Malheurs, menaces sur la vie, tentation du laisser-aller ; l’irruption du ‘Mal’ et de la corruption dans la vie (professionnelle) ; traversée de la misère ; période de canicule, sensations d’écrasement, fatigue générale et irritation.

Assimilable aux ‘films noirs’ anglo-saxons, ce qui valide le préjugé du Kurosawa cinéaste nippon américanisé. (62)

Signes de vie ** (Allemagne de l’Ouest 1968) : Premier long-métrage d’Herzog, en noir et blanc comme son court Herakles. Un soldat allemand bloqué sur une île refuse l’inaction. De quoi devenir un symbole des ‘ratés’, égarés, mis à pied, s’obstinant à gesticuler.

Le documentaire amorphe l’emporte sur le portrait ou l’introspection. Herzog se place et nous embarque en témoins inclus dans la torpeur, tranquillement hagards et extérieurs. Sa signature est bien présente : cette approche ‘brute’ montre son style à l’état mal dégrossi, l’intérêt se porte déjà sur les élans grandiloquents et stériles d’un inadapté.

La révolution absurde à la fin, quand il est arrivé en état de se faire interner, relève du beau geste. Cette tentative spectaculaire de quelques secondes affirme un peu le goût de la grandeur travaillant le soldat. Par son inanité c’est la démonstration de son impuissance. (52)

Après la nuit * (Suisse 2013) : Dans les bidonvilles créoles, action à Lisbonne, essentiellement nocturne. Embrouilles, (semi-)ghettos, gangs et trafics, misère modérée, etc. Une certaine routine. Un dealer à machette défile au milieu en posant régulièrement une trogne mélancolique. Pour les gens qui ont aimé le côté Cité de Dieu dans Madame Sata. Techniquement correct, mais inaccompli en tant que documentaire et raté (bâclé ?) en tant que fiction. (26) 

Tropical Malady *** (Thaïlande 2004) : Découverte d’Apichatpong Weerasethakul. Première partie sentimentale, seconde glissant dans le fantastique, le tout sensoriel à plein régime, avec dream-pop en bande-son. Film ‘d’esprits’ mystiques – et film de fantômes atypique.

Un des deux gays/protagonistes évoque son oncle qui ‘verrait’ ses vies antérieures – c’est l’annonce d’Oncle Boonmee, Palme d’or 2010. « Monsieur a l’air très heureux aujourd’hui » / « c’est normal c’est jour de solde » : universalité des clichés ? (66) 

Nuits d’ivresse printanière ** (Chine 2009) : Film chinois (de Lou Ye) rempli de trucs occidentaux typiques (la femme qui le fait suivre, les photos sur le portable, gnangnanteries) ou almodovariens (l’un des types se déguise dans des bars). Histoires qui se croisent et se confondent un peu, accumulations, dans un style aérien et sensuel. Plutôt random, mais généreux pour les scènes de ‘craquages’ et frontal (autant que possible) pour les scènes actives et nues.

+1 pour la claque lors de la grosse crise, mais annulé par le +1 pour le pétage de plomb de la fille au bureau. (48)

Gosford Park ** (UK 2001) : Chez les aristos anglais dans les années 1930. Mon premier vu d’Altman. Sur les deux heures, ne fait que présenter des personnages (très nombreux – s’agit-il du pilote d’une grande série ?) ; l’enquête s’ajoute sur les derniers trois quart d’heure. Gros casting, caméra ‘aérienne’, compositions et technique de haut niveau. Sorte de cinéma de chambre étendu à toute la grande propriété, avec toute la vaste faune des variétés de nobles ou riches et de servants – et de la dissidence là-dedans. (50)

La forteresse cachée *** (Japon 1958) : Un des Kurosawa les plus accrocheurs (probablement même plus que Vivre !, mais derrière Le garde du corps), plus compatible avec un public jeune et/ou occidental et/ou actuel. En contrepartie, La forteresse est moins intense et mystérieux que son Château de l’araignée. Mifune y devient sérieusement badass. Film d’aventure incluant la comédie (les deux acolytes pleutres, ouvrant la séance sur un échange d’injures). (68)

Les nains aussi ont commencé petits *** (Allemagne de l’Ouest 1971) : Un an avant son voyage au Pays du silence et de l’obscurité, Herzog dégote déjà des individualités anormales, prises en groupe. Il nous présente une communauté de nabots fêlés, limite déments, en rébellion contre le directeur du pensionnaire (frappé de la même infirmité). Gueules de vieux, propos d’ados sous substance et attitudes d’enfants fous. Cynisme, ricanements et pétages de plombs à foison (avec un soupçon de cruauté envers les animaux). En noir et blanc, comme Herakles et Signes de vie, premiers films du réalisateur d’Aguirre. Digne des Midnight Movies de la même décennie, mais redondant et finalement bien lent. Tournage à Lanzarote (îles Canaries). Musique pénible. (68)

L’enfer de la corruption / Force of Evil *** (USA 1948) : Tourné par un cinéaste inquiété pendant la phase maccarthyste, ce film perçu comme anticapitaliste est une des références fondatrices déclarée de Scorsese. En plus d’être très court il a un style rapide, droit au but, qui le rend très dense sans sacrifier la lisibilité.

En contrepartie il est schématique. Sa rigidité l’amène à s’affadir continuellement sans s’autoriser de relances (pas ou peu de nouveaux éléments), en suivant la déchéance des frères – il paraît alors surchargé et insensible à ses personnages/prétextes. Les dialogues sont excellents et les vingt premières minutes pleines de durs, qui se fâchent vite.

C’est un bon film sur la paranoïa à échelle individuelle, de l’individu dans la société (pas de la parano ‘psychique’ ou proprement psychologique) – celle d’un type abîmé dans les méandres de la corruption, des trafics, des abysses au cœur de la ville-lumière – pas un tourmenté par des penchants naturels, mais bien par la réalité.

Avec cet accent sur le capitalisme ‘parallèle’ (beaucoup de cette sorte d’euphémismes et de déclarations indirectes), Force of Evil rejoint la mouvance de film noir sans être représentatif et anticipe effectivement les films d’argent de Scorsese. Il est peu comparable aussi en tant que films de gangster, à cause de sa façon surtout discursive de montrer l’entrepreneuriat et sa culture de la prise de risque pervertis. (70)

Fata Morgana * (Allemagne de l’Ouest 1971) : L’intro le garanti, ce sera répétitif – mais c’est normal et ce n’est que faux-semblant, ça c’est le titre qui l’indique. Herzog s’est embarqué dans un délire proche des mondo movie, dont résulte une espèce de doc hippie dark (la musique est de leur milieu, pas d’Afrique traditionnelle).

Des blancs manifestement stones (on en trouve plus dans la partie III-L’âge d’or), des autochtones blasés/indifférents et trois pauvres animaux : un fennec/renard des sables attaché par un enfant, un varan (interminable), une tortue barbotant. Tout ce brave monde s’encroûte dans les déserts africains, élu pour l’occasion théâtres des illusions humains et mensonges religieux. Le retour ‘chez nous’ (en fait, à Lanzarote – où Herzog a également tourné Les nains aussi) se résume à un passage pseudo-festif (en plusieurs temps, naturellement).

Symbolisme lourd à l’appui : dans la partie I-La création, alors qu’une vieille radote en voix-off sur la création des animaux, la caméra balaie une zone jonchée de cadavres de bovins, desséchés, vidés, atomisés. Les textes appartiennent à la mythologie maya, chapitre invention du monde. (42)

Le beau Serge *** (France 1958) : Premier film de Chabrol, à 28 ans. Brialy est de retour dans le village (de la Creuse) où il a grandi. Devenu un citadin, il a été malade récemment et doit « vivre au ralenti ». Son ancien ami (par Gérard Blain), un alcoolique et père d’un trisomique vite avorté, a honte de ce qu’il est (devenu) : un raté.

On voit le film aux côtés de François/Brialy, dont les voisins seraient « comme des animaux (…) on a l’impression que vous n’avez aucune raison de vivre ». Il y a du vrai mais c’est négliger la frustration à refouler, pourtant manifeste chez les aigris du bar comme chez d’autres petites gens (pas tous). Son ami est plus clairement affecté car il a eu le tort d’espérer. Le ‘bon sens’ voudrait qu’il parte : mais ‘à quoi bon’. L’impuissance, le ressentiment et le dégoût s’opposent plus souvent que la peur à un grand départ, à une tentative d’épanouissement.

Le film se dilue un peu autour de la bagarre. L’orientation finale est un peu improbable, avec ses parallèles christiques. Détail regrettable : si on ne nous disait pas à plusieurs reprises au début qu’Yvonne est moche, on ne s’en rendrait pas compte (elle est jouée par Michele Meritz). (72)

Les Cousins ** (France 1959) : Reprend le duo du Beau Serge (et quelques acteurs secondaires). Cette fois c’est Blain qui s’invite et Brialy le receveur – le campagnard vient à Paris. Chez les jouisseurs-branleurs, avec un exemplaire vivant comme un prince, mais aussi un beau bal de mondains hédonistes et à la marge des variétés de jeunes pédants – et aussi de vieux !

L’histoire d’une inadaptation, de sentiments et scrupules débiles, d’une grande perte de temps. La photo et la mise en scène sont typiques d’une certaine qualité d’époque, un peu plus raffinées que l’ensemble du cinéma de Chabrol à venir. Blain apporte un contraste sans lequel l’ennui l’emporterait. (58)

Entre le ciel et l’enfer *** (Japon 1963) : Un des rares Kurosawa post-Sept Samouraïs se situant un des rares dans le présent (comme auparavant Vivre et L’ange ivre). Fait partie des polars (comme Les salauds dorment en paix), versant un peu moins célébré de son œuvre.

Quasi huis-clos (dans la grande maison) pendant la première heure. Tourne alors autour du refus de payer de Gondo et de sa position (sociale et de dominant au sens large) à tenir ; il a peu de considération à côté, indifférent en dernière instance – et la raison comme ses besoins familiaux l’y autorisent, seuls des ‘grands principes’ pourraient s’opposer. La deuxième heure est centrée sur l’enquête et la capture du criminel, qui aura la parole au dernier acte, dans un face-à-face éclair avec le riche désargenté devant le rebelle damné.

Les enjeux moraux et sociétaux dominent sans trop vouloir se déclarer, laissant l’action voire l’intrigue flotter. Ces enjeux s’expriment principalement via des discussions matérialistes et relatives à la hiérarchie. Fait beaucoup de démonstrations et de mystères pour retarder l’inéluctable et l’antagonisme convenu. L’autorité tergiverse seulement pour des raisons pratiques, à cause de la pression ; le reste suit ; finalement l’édifice pesant sera effectivement ébranlé, au détail voire peut-être dans quelques consciences, mais trop vaguement pour secouer les nôtres et plus encore celles des acteurs de cette société.

D’où un aspect Hugo light, plus posé et emprunt de recul, mais sans gains en pertinence pour autant. Ce film pourrait se décliner ‘facilement’ au théâtre, mais donnerait a-priori un résultat très rigide : dialogues abondants, directs, chargés, quasiment tout passe par eux (pour l’essentiel du reste, par les acteurs). Sans musique, informatif et ‘réaliste’. Côté ravisseurs et victimes, personnages compliqués et ombrageux, lourdement ‘typés’ ou intense. Une scène en train assez audacieuse pour l’époque. (66)

Cœur de verre *** (Allemagne de l’Ouest 1976) : Herzog nous présente des pseudo exaltés de Bavière au XVIIIe, sur la pente de la religiosité délirante après que le souffleur de verre, maître de la seule activité apportant une ‘valeur ajoutée’ au village, soit mort avec son secret.

Approche en deux hémisphères : dans le village, avec la folie et l’exaltation collective ; une approche ‘cosmique’ en marge. Ce second versant vient finalement nourrir le second, en étant infiltré par un élan scientifique et en voyant le chemin pour la reprise de l’espoir et ‘la foi’ de cette petite région.

Ce film a simultanément l’apparence d’un documentaire et d’une digression mystique. Les lieux sont magnifiques mais pas spécifiquement allemands (tournage dans la forêt de Bavière, aux USA, en Irlande, en Suisse).

Les acteurs tourneraient sous hypnose, à l’exception du vacher aux prophéties apocalyptiques. Bonne bande-son, plus typique. (68)

Un baquet de sang *** (USA 1959) : Film d’horreur léger, grotesque, doucement sarcastique et satirique, signé Roger Corman. Un type falot (quoique l’acteur soit inapproprié – hiatus en tout cas sur les premiers plans), qui a tout du larbin mais avec des rêves, aspire à la reconnaissance de ses pairs (beatniks) et du monde (rempli de femmes). Dès sa première ‘réussite’ il se voit en ‘artiste’ et enfin les autres sont là pour valider, au lieu de le rabaisser.

Malgré ce protagoniste on rit mais sans grands éclats. Ce film est d’abord une curiosité où l’art du recyclage domine à tous les degrés. Il est clairement sous influence de Poe, auquel Corman s’apprête à consacrer une série de libre adaptations où défilera Vincent Price.

Nous sommes trois ans avant le carnage gore Blood Feast ; ce film-là est assez cheap et régressif, y compris dans son rapport à la violence. Les premières morts (du chat et du flic) sont stupides : le chat, déjà empaillé, le flic, vite abattu (et planqué au plafond par un avorton en panique). Le ton est à la fois ironique et enfantin à l’égard des émotions ou aspirations des personnages, y compris par rapport au milieu des laudateurs d’ ‘artistes’ et ‘créatifs’ (des jeunes, souvent toxicos ou avec du temps à perdre, qui ne conçoivent pas d’autre expression du génie). (68) 

La petite boutique des horreurs ** (USA 1960) : Assez connu grâce à la présence, pourtant mineure, de Jack Nicholson (client du dentiste ‘alternatif’) dans un de ses tous premiers rôles (sept ans avant de contribuer à The Trip comme scénariste). Mauvais goût, délurés et ‘drogués’ ; c’est un parent innocent de John Waters, encore en plein dans l’optimisme généralisé. Comédie hystérique : les appels de la plante (« feed me » de petit animal de cartoon) ; les tronches d’ahuris ; le dentiste fou. Le gore est surtout verbal et lorsqu’il est physique, c’est très pudique et artificiel (la fin avec les têtes à fleurs). Le remake est plus trivialement et ‘pulpeusement’ ‘haut-en-couleur’. (52)

Alexandra *** (Russie 2007) : Traitement indirect de la guerre par Sokourov. Centré sur une vieille de passage dans un camp militaire (en Tchétchénie) où se officie son petit-fils. Elle déambule, s’interroge sur l’état du monde présent et fait son examen de conscience. Chez les soldats et le peuple occupé, elle constate la frustration ou l’accablement de tous – il reste encore la foi ou l’habitude. (72)

Barberousse *** (Japon 1965) : Un des plus fameux Kurosawa, particulièrement respecté sur Sens Critique (influence de Torpenn, le ponte originel ?). Durée-fleuve (trois heures).

Toshiro Mifune est dans le rôle-titre du médecin « humaniste » parfait, montrant à l’occasion une forte aptitude à coller des gnons. Le film accepte l’idée d’extraire du bien dans le mal – valide les sombres raisons poussant à l’altruisme.

Deuxième partie (après l’entracte) consacrée au ré-établissement de l’ex-domestique. Quelques moments avec ‘le souffle de la mort’ rapprochent ce film de La gueule ouverte de Pialat. (72)

Dernière femme sur Terre ** (USA 1960) : Sorte de vaudeville post-apocalyptique (d’une apocalypse instantanée, 100% bis de foire). The last woman est ravissante, le style aidant. Le reste ne vaut pas grand chose : trop lent, ménageant une petite tension qui ne s’épanouit pas. Une certaine ambition anime les dialogues mais au mieux elle pousse à conclure : décidément les Hommes manquent de savoir-vivre. C’est donc un petit Corman, agréable quand même, représentant typique du ‘tout ça pour ça..’. (44)

La Créature de la mer hantée * (USA 1961) : Rempli de détails loufoques, change plusieurs fois de direction. Des incongruités vaguement relevées, des pics d’humour (avec Betsy Jones-Moreland, déjà présente dans Dernière femme sur Terre, opus de Corman sorti en 1960).

Monstre rare (une apparition éclair avant sa parade des dernières minutes) et digne d’une poupée moisie de marché aux puces. À la limite de l’amateurisme avec des tendances chaotiques – part totalement en vrille sur l’île. Pourtant c’est à la même période qu’était produit The Pit and Pendulum.

Mon premier 3/10 depuis un mois avec Chez nous et Le missionnaire. (32)

Toni ** (France 1935) : Avec des abrutis du midi (Toni est un immigré italien qui travaille auprès des autochtones) et une pauvre Marie. Tiré des notes d’un projet de roman (de Jacques Levert) et produit par Marcel Pagnol. Confirmation de mon ‘incompatibilité’ avec l’œuvre de Jean Renoir. Néanmoins j’ai eu de la sympathie pour les décors, les trois ou quatre protagonistes – et de façon générale, c’est relativement divertissant (ça se veut aimable en premier lieu puis tragique) et la grossièreté des personnages finit par les rendre intéressants. (48)

The Terror/L’Halluciné ** (USA 1963) : Anciennement traduit en ‘Le château de la terreur’. Assez malmené dans les avis/notes spectateurs, probablement car fauché et décousu. Ré-utilise les décors de films précédents de Corman (Le Corbeau et peut-être aussi La Malédiction d’Arkham) ; une pratique courante chez lui, l’hyperactivité étant à ce prix.

Typique du style Corman et d’une certaine esthétique gothique et un peu ‘folklorique’ vendue sous format ‘train fantôme’. Dégage un charme enfantin dès son excellent générique d’ouverture. Histoire alambiquée et traitement superficiel, alourdi par son programme et sa naïveté au fur et à mesure. Une sorte de film ‘de série’ à la fois exquis et régressif.

Premier film où Nicholson est en tête d’affiche ; également sa troisième apparition chez Corman (il a un petit rôle dans La boutique des horreurs de 1960) et la seconde collaboration entre Corman et Francis Ford Coppola. (62) 

Cashback ** (Royaume-Uni 2007) : Prolongement du court-métrage (2004) éponyme réalisé également par Sean Ellis. Esthétique éclectique, d’une originalité marquée par l’air du temps ; entre le romantisme post-ado deux ans après Eternal Sunshine et l’ironie tendre, à base de lourds archétypes, d’excentricités très marquées et d’une once de potache mise à distance du cœur – la poésie du protagoniste et ses grands élans restent épargnés. (54)

Les ailes du désir ** (Allemagne de l’Ouest 1987) : J’en avais vu le remake, La cité des anges, dans des conditions qui ne me permettent pas de m’en rappeler. Je n’avais pas aimé mais il pourrait fournir une expérience plus agréable que cette séance-là. Ce film, que je souhaitais voir depuis les débuts de ma cinéphilie (à cause du titre, de l’affiche et de l’étrange notoriété) – mais qui ne m’intéressait pourtant pas, ne décolle jamais. On comprend le désarroi et la blasitude de l’ange. Il y a donc un concept original et ses illustrations bout-à-bout. Le film est froid mais s’il prenait la visite de l’ange totalement ‘à chaud’ ce serait aussi stérile et non-attractif. Ambitieux et somptueux (en principe) mais aussi pompeux et assommant (dialogues, narration, propos et postures). (48) 

Du rififi chez les hommes ** (France 1955) : Adaptation d’un polar d’Auguste Le Breton, suivie de trois autres dérivés pour le grand écran et deux autres en romans. Festival de l’argot et intrusion dans les ‘bas-fonds’ et les mafias de Paris. Si ça vous plaît mais qu’à raison ça vous semble tiède, voyez plutôt Port du désir avec Gabin sorti quasiment le même jour.

Froid, poseur, besogneux, langoureux. Exilé, Jules Dassin (Démons de la liberté, Forbans de la nuit) reste un metteur en scène américain. Le fond, le scénario, sont banals, à la limite d’en devenir odieux (les personnages ‘boulets’ ou ‘faibles’ – dénigrement pas compensé par la présence de pointures en face), si tout ce manège n’était pas carrément rasant. Forcément les tentatives ‘mélo’ prennent pas. Rappelle un peu Asphalt Jungle. (46)

L’Île au trésor ** (France 1985) : De Raul Ruiz je n’avais déjà vu que L’hypothèse d’un tableau volé, au principe casse-gueule et au résultat convaincant sans être attractif pour moi. Ce film est une adaptation ouvertement autonome de L’Île au trésor de Stevenson. Le roman est cité directement une fois, le cadre et les relations ne sont plus les mêmes, l’aventure est esthétique et narrative. Atypique et audacieux, joli mais lent, trop autiste et peut-être décousu pour être pleinement intéressant. Flottant à la limite du rêve personnalisé. Farces intellectuelles ou érudites en guise de dialogues, parfois à la limite du stérile. (56)

Woyzeck ** (Allemagne de l’Ouest 1979) : Herzog se base sur la pièce inachevée de Georg Buchner (1837). Kinski s’inscrit dans un rôle plus introverti que d’habitude, plus égaré et pathétique aussi (en proie à la confusion, menacé de chuter dans la bestialité). Son personnage est un inadapté même sur les choses primaires (justifiant son cucofiage). Il se répand en laïus délirants, débuts de divagations poétiques ou énoncés ‘bon sens cryptique’.

La mise en scène tient à distance les personnages et situations. Le style est d’un théâtral atténué ou compartimenté. L’exercice tombe dans le surplace passé un certain stade, tendu genre paralysé en filant vers un dérapage final – bête et tragique, une conclusion parfaitement assortie à cette destinée.

La réduction à à peine 80 minutes paraît judicieuse – il ne semble pas y avoir énormément à proclamer ou afficher. Déjà les hauts moments dramatiques s’éternisent sans autre raison que la pose. C’est un film d’intuitions qui ne se permet, ou ne peut se permettre, de ‘grands sauts’. Pour la musique, on a pioché dans le meilleur – l’usage peut sembler décalé, car il renforce le côté aberrant du personnage, sans davantage affecter le concernant ; le lyrisme pourrait opérer en isolant la scène mais est ‘inaudible’ sinon. (62) 

La Leon * (Argentine 2007) : En noir et blanc avec quelques très beaux plans. Assez plaisant mais paresseux voire un peu crétin dans ses représentations. Le scénario est celui d’un court contemplatif de quinze minutes. Autant revoir Tropical Malady ou s’amuser avec L’inconnu du lac. (42)

Police ** (France 1985) : Le film de Pialat avec Depardieu (cinq ans après Loulou). Marceau y a moins de 19 ans, on lui ‘découvre’ un visage rond ! Plus crû et ‘bonhomme’ que le futur L.627 de Tavernier. En trois tiers : un premier d’aspect documentaire et très énergique, un dernier personnel avec la liaison entre les deux protagonistes, un intermédiaire(plus court) où l’intérêt se tasse, centré sur des situations plus récréatives ou secondaires. Pourtant quelques affaires s’y règlent ou s’accélèrent et Bonnaire gratifie Gérard et le public d’un passage nu (ses débuts, assimilée à une prostituée, peuvent déconcerter vu depuis aujourd’hui ou sans doute déjà depuis vingt ans).

Anconina avait déjà son jeu très singulier, probablement mauvais ou inapproprié ; tout ce qu’on sent face à lui, c’est qu’il dissimule avec acharnement – mais quoi ? C’est tout ce qui intrigue chez lui. Dans Itinéraire d’un enfant gâté ou La vérité si je mens, cette sorte de non-jeu ou de jeu de dupe flagrant sera plus approprié, tout en restant d’une anomalie et d’une inefficacité flagrantes. (52) 

La Cité des femmes *** (Italie 1980) : Issu du Fellini vulgaire et décadent accompli de la troisième partie de carrière. Après la première heure chez les féministes puis dans la brousse italienne, vire à la logorrhée d’images, d’aventures et de décors insolites. Maistroianni est devenu un gros bébé aliéné par les femmes (après avoir su les manipuler ou les mettre à distance dans Huit et demi).

Voyage toujours plus irréel dans les fantasmes personnels d’un homme, censés refléter des peurs et désirs propres à son genre, à la racine ou à un niveau plus actuel, face aux avancées sociales obtenues par les femmes. Quelques déviations s’y ajoutent comme lors du passage chez l’espèce de gnome avec une dégaine d’apprenti Phantom of Paradise.

Dans le même registre tentez China Blue de Russell, cinéaste dont Fellini se rapproche avec cet opus. (68)

Chronique d’une disparition * (Israël 1996) : Le premier film de Suleiman use de la caméra ‘intruse’, postée depuis la porte, la fenêtre ou l’angle opportuniste au coin de la rue, pour montrer des gens chez eux ou devant leurs petits commerces le plus souvent. Ce sont des palestiniens modestes, dans un train-train aliéné, parfois statique. Comme en marge de ce dont ils sont censés être des membres. Mais et alors ? Voilà des résidus de la civilisation, comme partout ailleurs.

Ils se robotisent à cause de ce conflit finalement plus larvé qu’effectif (vu depuis ce film), jusqu’au dernier plan où le vieux couple est affalé et indifférent devant sa télé où passe l’hymne israélien. Suleiman allonge ses symboles au lieu de chercher à ‘ajouter’. Il laisse donc de côté les possibilités en germe, comme la piste du musée et des pauvres attrapes-touristes, qu’il relie seulement à sa création pour ce qu’elle contribue à ironiser.

Un peu après la moitié, le réalisateur écrit à la machine « La conscience latente serait la Palestine » juste avant sa conférence. À l’image elle se résume en une scène avec le micro défectueux (long gag crispant), suivie par celle avec les flics pissant contre un mur. Le reste se déroulera autour de ce mec à l’air groggy et de petites poussées lyriques rabrouant l’humour malheureux. (38) 

Gémeaux *** (Argentine 2005) : Film de non-jugement (moral ou éthique) à propos de l’inceste. Donne au spectateur de multiples occasions de se ‘rincer l’œil’ – en toute innocence pour lui, avec embarras pour eux. Le frère et la sœur semblent éprouver un amour sincère, spontané et profond, qui ajoute au malaise et à la circonspection.

La réalisatrice sait montrer les non-dits et les non-sus parfois à demi-consentis.Cet amour sordide se produit au quotidien, à l’insu des parents, parfois presque sous leurs yeux. Il ne manque qu’un réveil ou quelques éléments plus crus – ou même d’avoir bien vu ce qu’on a vu.

C’est d’ailleurs par étapes que la révélation a directement lieu – en montant l’escalier puis avant de passer la porte, prenant le temps de prendre le choc comme s’il devait descendre par paliers pour être vraiment réel et vraiment compréhensible – le long d’une séquence justifiant tout ce qui a précédé pour ceux qui se seraient impatientés.

La mère parle d’inceste qu’elle soupçonne de la part du père d’Olga sur ses filles, en estimant la chose récurrente « dans certaines classes sociales » ; d’autres micro-événements peuplant le quotidien ou la télévision renvoient à la chose. Sur ce plan le film est (passivement) ironique concernant les clichés dont sont parés les pauvres – en même temps l’inceste est aussi souvent attribué à certaines catégories de riches ; cette famille-là est bourgeoise mais pas d’ascendance aristocratique évidente. (66) 

Intervention divine * (Autorité nationale palestinienne 2002) : Elia Suleiman est un palestinien qui a vécu une décennie à New York avant de se lancer au cinéma avec des soutiens européens (sa première production personnelle est Chronique d’une disparition). L’ensemble de ses réalisations sont centrées sur le vécu des palestiniens.

Dans son film le plus connu (où il s’est promu acteur principal) il évoque à nouveau l’absurde réalité des gens sous emprise du conflit et de l’occupation en Palestine. Il tartine maintenant la chose de fantasmes, ramène des images similaires, voire les duplique carrément. Du cinéma engagé allégorique sous Prozac.

Le seul fait ‘hautement significatif’ et communicable à l’ensemble des spectateurs est le passage du ballon avec Arafat (et ceux avec la fille mais ils sont déjà plus fantaisistes dans leurs visées). La photo et l’ambition dans la démonstration ne relèvent pas du discount, mais à quoi bon ? C’est un petit théâtre d’absurdistes auto-déclarés lucides sur l’abrutissement dont ils sont l’objet. L’histoire d’amour à demi-surréaliste au milieu de la grisaille est à l’image de toute la dynamique : éculée, fatiguée, même quand elle se veut forte et insolente.

Enfin ce film a son joli ronron burlesque, son humour mordant et désabusé, puis assez de symboles pour frapper l’imagination et titiller le critique. Mais la scène finale dérivée de Matrix et de la liturgie achève d’enfoncer le film dans l’auto-complaisance et la divagation ironique.

Illustration de la fraude concernant ce film en un coup-d’œil : http://www.allocine.fr/film/fichefilm_gen_cfilm=45261.html (42)

Passe ton bac d’abord *** (France 1978) : Du cinéma ‘vérité’, crû mais sans théâtre ni ‘décrets’ par l’écriture, à la limite du pseudo-documentaire, sur la jeunesse et sa reproduction des schémas. Enfermement dans les cycles – sans la violence (et le focus) du Family Life de Loach. On les voit devenir des adultes obtus et perplexes comme les précédents.

La direction d’acteur laisse à désirer au départ, mais en laissant-faire, Pialat obtient de bons résultats. Peut écœurer ou saouler au début et progressivement se laisse voir avec une attention froide. Pourrait être drôle ou accablant mais est trop précis et concis pour laisser ça prendre.

Ne laisse pas tout couler comme Loulou produit deux ans plus tard, qui semblera paradoxalement ‘surfait’ dans son intérêt pour les prolos et leurs aventures. (66)

MINI-CRITIQUES 5

31 Juil

The Monster Squad ** (USA 1987) : Réunion des grands monstres de la culture anglo-saxonne. Autour de Dracula (qui se déplace en voiture lorsqu’il est lassé de se transformer en chauve-souris) : la créature marais, momie, le loup-garou, puis le clou : Frankenstein. On évoque aussi un absent, Van Helsing.

Le film envoie ‘tout’ dès les séquences d’intro : la pierre magique, le trou noir, les vieux aventuriers, les revenants sortis de terre, la crypte, etc. Nous aurons la complète avec des passages secrets, la ‘666 street’.

Délire assez puéril, potentiel film d’horreur pour enfants et très marqué par son temps (cinéma et publicité). Reprend la scène de fin du Frankenstein de 1933 pour lui donner une suite positive. (58)

Le Missionnaire * (France 2009) : Bigard joue un dur sortant de prison et est le seul véritable atout de ce film hystérique et probablement bâclé, mais évitant la nullité. Il faut aimer les contrastes même quand ils volent bas. Le frère est difficilement crédible, à cause des expressions (mêmes naturelles) de l’acteur de Samantha et sa transformation radicale.

À partir des rafales de confessions le film évolue vers le ‘politiquement correct’ aimable, du côté du droit à la différence et au ‘bon plaisir’ ; avant de s’échouer dans la mièvrerie impérieuse avec son mariage entre une juive et un arabe. (32)

Let Us Prey ** (Irlande 2014) : Horreur barbaque et ‘morale’, sans être proche de Martyrs. Extrêmement cynique, voire nihiliste, avant de découvrir son mysticisme atypique. Scénario pas très dense mais sait cultiver son originalité et ses mystères. C’est clairement une sorte de ‘punisher’ qui vient de débarquer, mais ses motivations et sa source restent floues. Beaucoup d’effets dans la mise en scène, efficace sans eux (idem pour la musique envahissante). Incisif dans le gore. Démence maîtrisée mais manque de clarté sur la fin, notamment concernant les pétages de plomb. Ceux qui ont aimé pourraient essayer Triangle et Pontypool, ou End of the Line pour du bad trip religieux plus flagrant et cohérent. (56)

Exit Humanity ** (Canada 2011) : Film avec des zombies remontant juste après la guerre de Sécession. Orientation mélo, avec le type seul qui a perdu sa famille et dû l’abattre après sa transformation. Plusieurs passages sous forme dessin animé, relatifs au livre d’où le protagoniste tire tout ce récit. Lent, décolle au milieu pour une escapade désagréable, pleine de mystères, de demi-révélations et de sombres histoires du passé. Sans oublier bien sûr les effets grandiloquents, pour lesquels il déploie un talent certain ! Déblatère sur l’humanité qui se perd – l’humanité de chacun, en multipliant les laïus mielleux. Ambitieux, mais laborieux en tous points. Ceux qui ont aimé peuvent essayer The Burrowers. (48)

Les Affameurs ** (USA 1952) : Sorti juste avant les vagues de westerns ‘modernes’ qui réforment le genre. Premier film d’Anthony Mann en Technicolor. Répète ses bons mots,  »suite dans les idées » lourdingue (les hommes et les pommes pourries) ; un énième western humaniste lourdingue (James Stewart oblige) – avec de la cogne et de l’agitation. (52)

Speedy *** (USA 1928) : Un opus assez connu avec ‘Glasses’ Lloyd. Humour simple et efficace, voire survolté (surtout au parc d’attractions). Une de ses spécialités est de cogner les gens involontairement. La musique de Carl Devis accentue le côté ‘ravi’. Se veut en phase avec New York la suractive, ville de la vitesse.

N’a pas l’épaisseur de Safety Last mais n’a rien d’autre à lui envier ; le ton et l’humour sont moins mielleux qu’avec Le petit à grand-maman ; ces deux derniers paraissent plus ‘lourds’ que l’opus présent. Le prochain film avec Lloyd (Welcome Danger) devait être son premier parlant. (68)

Shooting Stars *** (UK 1927) : Nommé en français ‘Un drame au studio’. Premier film d’Asquith, restauré en 2015 par la BFI, pour une copie accompagnée de la musique du saxophoniste John Altman.

Deux effets relativement improbables : le plan avec la balle, après le tir et la scène attachée ; les mots autour de la radio (alternative aux intertitres). Qualités de montage et excellence visuelle ; des passages ‘sur’ la grue pour observer cet univers sans s’y jeter.

Vu d’aujourd’hui, ce film (britannique) semble ‘attaquer’ le monde du cinéma, en tant qu’industrie pleine d’intrigues de nature sentimentale et romanesque. Concrètement il ‘attaque’ sur le plan people et esthétique (comme Ave César des Coen, une version cousine en couleurs) ; nous assistons à des embrouilles de mœurs, mais aussi à de probables parodies de films ‘de genre’ contemporains. (66)

Je suis un aventurier *** (USA 1955) : Quatrième des cinq films Mann/Stewart, marquée par un western particulièrement ‘moderne’, L’Appât. Dans celui-ci, James Stewart joue un dur. Le reste est crédible et attractif, graduellement. Mobilisation des archétypes, efficacité du récit dans la deuxième moitié. Quelques vues superbes sur les montagnes. Les villageois ont l’ambition de créer une ville – dans le Klondike à l’époque, ça revient à un micro-état ; dommage que le film creuse peu de ce côté. (68)

Asphalt ** (Allemagne 1929) : Muet avec un policier amoureux d’une voleuse et manipulatrice en voie de rédemption. Progressivement très ‘mélo’. Transpire (passivement) la fin des ‘années folles’ et se montre le plus licencieux et suggestif possible, pour l’époque au cinéma. Peu d’intérêt en-dehors de la réalisation, plus expressive qu’éloquente (jeux de lumière du début, gros plans et en général façons de cadrer les acteurs). Produit par l’UFA, responsable de plusieurs films de Fritz Lang (dont Faust et Metropolis) – collaborateur du réalisateur Joe May pour un poste de scénariste à leurs débuts. (60)

Le Distrait * (France 1970) : Comédie ultra-lourdingue centrée sur Pierre Richard dans son numéro classique (qui s’est doublé en réalisateur pour l’occasion). Humour visuel, quiproquos, sarcasmes de niaiseux regardant de haut. Caricatures de l’intellectualité, des mondains affairistes et du domaine de la publicité. Parfois meilleur quand il va vers le cartoon ou s’intéresse aux relations absurdes de Pierre avec les femmes. Probablement intéressant pour illustrer les émois ‘optimistes’ de l’époque. (42)

Totally Spies ! le film ** (France 2009) : Hystérique, fluorescent, jongle avec les clichés, se moque ‘gentiment’ de ses personnages et de son propre univers. Délires consuméristes et féminins.

Espionnage, gadgets technologiques et critique cheap du conformisme (avec le Fabulizer maléfique). Voix de Karl Lagerfeld pour le méchant – peu adaptée et la revanche du personnage n’est pas assez poussée. Le décrochage risque d’être fatal, il faudra tenir bon pendant les embryons de numéros musicaux et lorsque la mission se lance – où tout se rabougrit. (54)

Quelques messieurs trop tranquilles ** (France 1973) : Film de Lautner (Pacha, Barbouzes, Tontons Flingueurs) avec des acteurs de comédie fameux de l’époque. Une tribu de hippies vient squatter autour d’un village. Ils installent leurs igloos géodésiques sur les déserts de la comtesse. Michel Galabru, vieux con agressif, est en première ligne pour les affronter, mais rapidement ils sont partiellement assimilés par des locaux fascinés, envieux ou alléchés. Beaucoup de (quasi-)nudité et d’aperçus de mœurs libérées. Vite à court d’idées (et pas très dégourdi sur les psychologies) mais arrive à éviter la panne. Divertissement bourrin, plus efficace et exotique que Ne nous fâchons pas me concernant. Il a au moins les vertus de la connerie. (50)

Les chats persans ** (Iran 2009) : Typique du film d’émancipés modernistes ouverts à l’Occident et aux USA, qu’adorent les progressistes de ces derniers, car enfin ils ont des sujets enthousiastes en démonstration. Montre les absurdités de l’ordre moral et légal. Met beaucoup de temps à se finir. (56)

Mademoiselle Ange ** (Allemagne 1959) : Un ange blond passe sur Terre. Film (par un réalisateur allemand avec un casting et des décors français) de midinettes de l’époque, avec Romy Schneider en hôtesse de l’air et Belmondo. La première est une immense star et Sissi officielle, le second va bientôt tourner dans A bout de souffle. Sucrerie avec de jolies vues sur la Côte-d’Azur, un ton très positif, insouciant en toutes circonstances. Valeurs traditionnelles, ‘gentilles’ et hédonistes mêlées, sans sortir du présent, en embrassant ses dons et bienfaits. Un des derniers films avec Henri Vidal. (52)

Bonnes à tuer *** (France 1954) : Thriller d’Henri Decoin, connu pour Razzia sur la chnouf et dont j’ai vu Abus de confiance. Flash-backs des histoires d’un ambitieux avec ses femmes, réunies à l’occasion d’un dîner bizarre. Beaucoup d’humour. Le manque de pistes alternatives empêche de décoller et prendre de l’étoffe. (70)

Antoine et Antoinette *** (France 1947) : De Jacques Becker. Vue sur le Paris populaire, la petite classe moyenne, les serfs pas trop mal logés – Antoinette est employée dans un magasin. Optimisme devant la vie, remplie de gens et surtout de démarches cyniques. Énergique, démonstratif, lent, au point de devenir décevant. Mise en scène très expressive (les visages, la rafale de souvenirs à la fin). (68)

Une ravissante idiote ** (France 1964) : Film de Molinaro avec Bardot et Perkins (le ‘fou’ de Psychose). Assez crétin, très bavard, dialogues et considérations niaiseuses. Style très léger, réalisation lourde et sur-expressive. Pousse les imbroglios à un niveau surréaliste, où l’inconscience et la sérénité des gentils comme des exécutants au service des méchants atteignent des sommets cartoonesques (séquences avec la grand-mère). Trop long mais aimable à l’usure. Ne m’a pas laissé insensible contrairement à L’emmerdeur. (46)