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LA NOUVELLE VIE DE PAUL SNEIJDER ***

24 Mar

4sur5 Mignonne histoire de pétage de plombs d’un cadre très supérieur arrivé à saturation suite à un événement traumatique. Thierry Lhermitte pourrait donc sembler dans un rôle à contre-emploi, mais ce nouveau costume pourrait être celui de bien des connards cyniques interprétés tout au long de sa carrière (comme ceux du Dîner de cons ou d’Un Indien dans la ville) – après vingt ans écoulés et l’orgueil ramassé. Il expérimente les vertus de la dépression, à distinguer de la ‘résilience’ ; les accidents, les chocs, les graves pertes, une fois digérés, laissent quelques cadeaux derrière eux – grâce à eux passer de l’autre côté’ sera plus qu’une fantaisie de l’esprit.

Quand le film commence, Paul Sneijder a déjà largement dévalé la pente. Le battant n’a plus de travail et sa famille n’est plus fiable. Le choc du départ, c’est son refus de ‘se battre’, comme on le dirait communément. Paul ne s’engagera pas dans un procès pour la ‘réparation’ de la mort de sa fille et contre l’accident qu’il a lui-même subi. Il décide que ça n’aurait pas « de sens ». Il a peut-être tort, les autres ont certainement raison lorsqu’ils évoquent ce qu’il(s) rate(nt). L’ont-ils quand ils le blâment ? Ils plaident aussi pour ses intérêts. Ce choix pousse l’entourage à tomber les masques – enfin c’est une façon pompeuse de le dire, car il n’y a déjà plus que le minimum d’hypocrisie entre les vieux colocataires (que sont lui, sa femme et ses fils). Paul Sneijder est simplement entouré d’humains auxquels il est lié – par des chaînes obsolètes ; et ces humains sont tels qu’ils sont, lorsqu’ils ont faim, sont pressés ou obnubilés, par eux-mêmes ou par leurs activités ; et lorsqu’ils se foutent de votre sort sauf dans la mesure et dans les parties précises où ils sont impliqués. Aussi Paul n’a pas le droit de partir ; il faut le prendre au sens strict. Il a des responsabilités et on aura qu’elles à lui rappeler, avant de devenir plus hostile. On le juge, on ne l’aime pas. Il trouve le médecin puis bientôt la police pour le ramener à sa ‘réalité’ présumée.

Paul Sneijder c’est le citoyen opérationnel qui a appris l’absurdité et se voit comme un rat dans un monde fermé – un monde ‘ouvert’ seulement à son bruit, abruti de lui-même. La phase d’apprentissage, les réactions et l’adaptation ne sont pas retracées, appartiennent déjà elles aussi au passé : comme pour lui, c’est fini, au mieux englouti. Le spectateur ne connaît Paul que remis à sa place de petit homme ridicule qu’un rien pourrait balayer ; anéanti pour les caprices d’un appareil ou de la météo. Grâce à cette nouvelle place dans la vie, Paul est témoin de la mesquinerie et la sauvagerie des gens. Leur dureté de vampires zélés et arrogants n’inspire ni honte de soi ni admiration, ni compassion. Il semble y avoir un biais consenti (régulièrement) par la mise en scène à Paul – elle appuie la solitude sous de multiples facettes (la distance, la vacuité ressenties, l’indifférence galopante), l’impression d’espaces plombants et écrasants.

Le film comme les perceptions de Paul dégagent un côté comique et triste, qui laisse froid. Ils auscultent passivement le vide, les mensonges des choses. Les rôles joués, les raisonnements et présentations sur-faits semblent dominer l’essentiel, l’authenticité relève de l’accidentel, la lucidité de quelques-uns s’arrête avec leur cynisme et leur avidité. On parle à Paul comme à un dépressif, avec le mépris, l’agacement et l’impatience caractéristiques – son ‘attitude’ est une menace quand elle n’est pas simplement une gêne. Jusque-là ce film a correctement représenté une phase dépressive, ses effets, sa réalité subjective, également ses dons ; il va au bout en accompagnant Paul dans sa confrontation passive-agressive puis finalement carrément agressive. D’abord le type joué par Lhermitte rejette les suggestions, les demandes (le concours, les avocats), même lorsque son humeur ne freine pas tellement ; après la résistance il va apprendre à assumer ses principes, ses préférences, oser dire non pour des raisons personnelles, puis découvrir les joies du sabotage.

Il s’oppose avec le sourire ; répond, avec humour si nécessaire ; démolit les espoirs, les consensus et les fiertés en dernière instance (d’où cette scène jouissive face au collègue et probable amant de sa femme). Pour l’observateur non-impliqué que nous sommes, c’est génial, car les gens sont poussés à montrer ce qu’ils sont et ce qu’ils veulent, sous les encouragements, la politesse et le reste. C’est le plaisir d’humilier la situation et soi-même, d’entrer dans la joie du refus et de l’abandon des caprices des normes ou de l’ego : tout ce qui fait « un minable » selon sa femme (et un autre hypocrite intéressé). Celle-ci est le complément parfait de l’histrionne ‘open’ : une workaholic sur-attentive à son image, obsédée par l’efficacité, alter ego parfait de la mal-baisée secrètement hostile à l’ultra-conformisme à la fois affiché et déguisé ; deux identités de femmes fausses et extraverties, interchangeables tout en paradant avec leur individualisme de narcisses serviles.

Dans les conditions où nous sommes, c’est donc l’horreur ultime. La fugue est bien la seule option et sans ‘ailleurs’ (terrestre ou autre) il ne reste que le négativisme – Paul le préfère allègre. Il est ouvert à l’expérience, tant qu’elle ne l’engage pas trop fort. En somme Paul refuse d’être l’objet des autres, refuse d’être dans le circuit. Sa libération est à ce prix ; il n’a qu’à gâcher une ‘vie’ qui n’en est pas une, des illusions de la bouillie sociale. Le consumérisme antisocial le guette ; l’envie de tout plaquer peut bien l’emporter. Car il n’a pu être là-dedans que comme un maillon ; désormais il ne saurait plus connaître que le statut d’aliéné. Cela n’exclut pas la conscience des risques, pour la société et pour le bonheur des individus, de ce consumérisme antisocial – simplement les valeurs n’étant plus, ce souci ne pourrait être que mécanique, finalement tout aussi hypocrite que les convictions altruistes ou le légalisme des autres. Aussi il n’y a plus qu’à laisser-aller, le monde et ses propres rentes.

Ce film pourra plaire aux lecteurs de romans ‘chemins de vie’ crétins ou brillants, pourra parler à tous ceux qui ont approché même indirectement des choses comme ce qu’on appelle « crise existentielle ». L’approche est candide, sans moralisme ni fausse notes, l’humour désespéré mais sans aigreur. Seul bémol : dans la seconde moitié, des scènes musicales et ‘abstraites’ remplies d’émotivité artificielle et de pop sophistiquée ronronnante.

Note globale 74

Page Allocine & IMDB  + Zoga sur SC

Suggestions… Manchester by the Sea + Irréprochable/2016 + Quai d’Orsay/Tavernier + Incendies/Villeneuve + Hippocrate + Le peuple du silence et de l’obscurité

Scénario/Écriture (2), Casting/Personnages (4), Dialogues (4), Son/Musique-BO (3), Esthétique/Mise en scène (4), Visuel/Photo-technique (3), Originalité (3), Ambition (3), Audace (2), Discours/Morale (-), Intensité/Implication (4), Pertinence/Cohérence (4)

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TETE DE CHIEN (2016) **

10 Juil

3sur5  A-priori Tête de chien (DTV d’un réalisateur neuf – Quand je ne dors pas) s’inscrit dans une catégorie bien définie : film français avec protagonistes malheureux et mélancoliques vivotant et pleurnichant dans leur seule zone de confort : Paris. Mais s’il est ça c’est de manière manière abrupte et fluide, actuelle, presque non-romantique (comme un Oslo 31 août devenu cru et primesautier). Et surtout il n’y a que son ‘héros’ pour l’incarner – dans l’ensemble le film vise ailleurs ; fourmille de types de 30-40 ans avec des manières et des tronches plutôt ados et/ou de viveurs-jouisseurs blasés et/ou de célibataires avertis, une bonne part se comportent comme s’ils avaient 20-25 ans.

Le protagoniste (« 41 ans » et l’air d’en avoir 22) est un paumé apathique et plaintif, capricieux. Un ami commun (à l’ensemble de ses autres fréquentations à l’écran) mort dans un passé proche (à quel point ?) et il ne s’en remet pas – ou bien c’est l’occasion de ne pas s’en remettre. Alors il multiplie les petites foucades, les petites conneries et graves négligences – mais n’affronte rien ni personne, ne dit rien, se traîne, impose sa présence et sa tristesse sans savoir exprimer autre chose – ni même cette chose avec un minimum de profondeur ou de constructivité. C’est un type insupportable, interprété par le réalisateur lui-même, qui en rajoute. L’exercice est réussi : comme film avec un crétin imbuvable, bat des records !

Il reste désagréable ou méprisable même lorsqu’il doit probablement être pris en pitié – quand il chiale face à la gamine tout près du générique de fin – infect, avec ses bruits insupportables. Il est possible cependant que ma subjectivité ou mon apathie ‘émotionnelle’ l’aient emporté sur ce qui devait être l’occasion de se réconcilier avec ce petit connard urbain de base – et de sortir les mouchoirs. Cette approche du deuil est trop particulière et morcelée pour être significative au-delà des affaires immanentes, mais celles du ‘chien battu’ restent aptes à divertir. La circonspection et l’impatience de l’entourage sont facilement communicables – le spectateur a le luxe de la distance, qui permet la dérision et parfois la froide compréhension. La courte durée (66 minutes) évite l’effet prise d’otage.

Note globale 56

Page Allocine & IMDB + Zoga sur SC

Suggestions…

Scénario/Écriture (2), Casting/Personnages (3), Dialogues (3), Son/Musique-BO (-), Esthétique/Mise en scène (3), Visuel/Photo-technique (2), Originalité (2), Ambition (-), Audace (-), Discours/Morale (-), Intensité/Implication (3), Pertinence/Cohérence (2)

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MINI-CRITIQUES 3

24 Juin

Témoin muet ** (Allemagne 1995) : Essai ambitieux et haut-en-couleur, où une fille semble découvrir le tournage d’un snuff-movie. L’intro grotesque parodie celle de Blow Out, déjà sarcastique, en tirant vers la ‘dark zone’ chez Hélène et les garçons.

Cache-cache ; duperies (et faux suspenses) en présence de la police ; puis la traque et le grand piège. Au bout, rebondissements constants – donnant un avant-goût du plongeon vers la diarrhée d’action pour la dernière ligne droite du prochain film d’Anthony Waller (Le loup-garou de Paris).

Garde un côté bis très propre et sensationnaliste à la fois ; glauque et aérien, bis irréel. Le cachet photographique et plusieurs détails dans les scènes à haute tension rappellent Argento (celui de Suspiria et Opéra).

Prix du Jury Fantastic’Arts 1996, l’année où Le Jour de la bête remporte le Grand Prix. (62)

The Refrigerator ** (USA 1991) : Bouffonnerie assez colossale et très décalée. Du nanar de haute volée, souvent délié, plein d’énergie, conséquent dans ses fantaisies, avec une certaine recherche dans la mise en scène (et peu de préoccupations pour l’élévation technique). Essaie des sketches sexuels façon Nightdreams ou Dressed to Kill. Yo-yo permanent : ennuyant voire assommant, enthousiasmant la séquence d’après grâce à son culot. (52)

Contracted *** (USA 2013) : Centré sur la contamination d’une jeune fille/grande ado après une relation sexuelle peu/non-recherchée. La sanction est d’autant plus cruelle. Anxiogène et intense, unité d’action, état d’esprit ‘jeune’. La victime est prisonnière du cynisme ou de l’indifférence des autres, dont les jugements sont souvent faux ou négligents ; elle tend à être niée et objectivée. Les transformations sont spectaculaires et repoussantes même si la fille conserve, un temps, une certaine attractivité – le phénomène ressemble alors à une transition vers un état de créature désespérée (et hargneuse ?), peut-être celui d’une sirène. (70)

Impasse des deux anges *** (France 1948) : Dernier film de Maurice Tourneur, où un romantisme froid vient troubler des matérialistes épanouis. Une femme s’apprête à épouser un aristocrate, vieux con (encore frais) qui veut en faire sa chose. Simone Signoret a un jeu affecté au début ; crédible en réaliste sans états d’âmes, excessive quand elle passe en mode garçonne ; en même temps, un tel profil est vraisemblable. Idem pour l’artificialité de certains (totalement crédible vu le milieu).

Le film tire toujours des vertus de la fausseté des individus, de leurs propres mises en scène. Les dialogues peuvent être redevables de leurs absurdités et de leurs prétentions (les laïus de la vieille la jouant maîtresse des us de salon et du cynisme parfumé, les tirades de ‘monsieur’ : « Je suis pour les traditions c’est la superstition des gens bien élevés »). Spirituel, malgré un manque d’élan dans le développement. Les gens espérant de l’émotion ou des grands sentiments incarnés seront déçus. (68)

Monsieur Hire *** (France 1989) : Leconte s’approche du thriller glauque en gardant sa fibre sentimentale (la comique est exclue). Michel Blanc joue un antihéros dont le type semble être ISTJ 5w4 mais romantique (Secondaire radical, plutôt non-actif et Émotif sur la caractérologie de Le Senne). Ce protagoniste semble atypique ; il est surtout [l’asocial obsessionnel] extrême – un type triste et sombre, inhibant ses réactions, semble peu animé ou de manière très sélective.

Le film rappelle Le Locataire de Polanski, même si la comparaison le disqualifie. Éclairages contrastés, participent à un travail d’ambiance important et concluant – le scénario est presque conventionnel, le traitement de fond reste assez fade (la pudeur est probablement en cause). Très court (à peine 80 minutes). Le ‘theme’ est sur-exploité. Si vous avez aimé, essayez Willard (pour le solitaire excentrique ‘amoureux’ des souris) et Les Vestiges du jour (pour l’espèce de schizo formaliste). (72)

Visiteurs extraterrestres *** (1993) : Fait beaucoup languir mais ne se dérobe pas, sera démonstratif. Donne même une superbe scène ‘d’horreur’. Ciblé, pas de trous d’air, les moments flous ou apparemment superflus trouvent une réponse/dénégation ou une utilité. Compatible avec les attentes des fans de Spielberg et du public de Stranger Things. (68)

Killer Crocodile ** (Italie 1989) : Nanar réputé dans le domaine de la boucherie animalière. À base de croco radioactif. Comme Refrigerator, vaut largement le coup pour les amateurs de détritus savoureux/insolite ; n’a pas la folie de ce dernier. Personnages bien typés, dialogues de lucide bourré ou parodique, pas de temps morts, générosité dans l’action et les drames. (54)

Le miroir se brisa *** (UK 1980) : Tiré d’un opus de Miss Marple, la saga d’Agathie Christie. Frappe surtout via son casting. Charmant notamment grâce aux décors, dialogues bien affûtés, le niveau de tension est plus modeste. Par Guy Hamilton, réalisateur spécialisé dans les James Bond, également auteur de l’adaptation Meurtre au soleil concernant la romancière. (68)

Le jeu de la mort * (Hong-Kong 1978) : Dernier film de Bruce Lee, à la notoriété dopée par l’hommage de Tarantino via Kill Bill. C’est un gros bricolage, le film de base tourné en 1972 étant complété par des ajouts de 1978, doublant sa durée (de 40 à 82 minutes, ou 96 en version longue).

Différent de Big Boss ou La Fureur de Vaincre/du Dragon, cet opus donne beaucoup de place à une intrigue policière et tout y est plus occidental (divertissements, médias, etc). Les personnages sont très affectés, sans le minimum de ‘suite’ et de sensibilité présent dans les opus cités précédemment.

Montage brutal, scénario très bricolé et s’évaporant à partir d’une trentaine de minutes, rythme hystérique. Ni grâce ni ennui, ni intérêt à développer, sauf essentiellement pour les fétichistes et les fans. Pas de quoi inhiber les opportunistes : ce Jeu de la mort lance une saga. (38)

Le choc des titans *** (USA 1981) : Encore plus kitsch qu’Excalibur ou Legend, cette représentation du mythe de Persée fait défiler un grand bestiaire de dieux, créatures naturelles, mécaniques ou surnaturelles, héros, sages et souverains, etc. Les décors/maquettes sont monumentaux, les effets spéciaux désuets (dès le vol de mouette en ouverture). Les espèces d’animatronics relèvent plutôt du dessin animé.

Harryhausen tire une révérence embarrassante d’un point de vue tech(nolog)ique, car sa contribution artisanale est en dissonance avec le reste ; mais le charme opère encore et cette participation achève d’inscrire le film dans un esprit plutôt ‘cartoon’ et ‘fantasy’ innocent, à l’exotisme réel mais discipliné – comme un reflet inversé de Conan. (70)

La Nuit du jugement * (USA 1993) : Film de série B avec actions intenses, scénario débile et personnages insipides. Photo sombre, tons bruns et glauques, plans réfléchis et parfois insolites. Survival urbain et souterrain charriant du néant. Travail sur l’atmosphère, bande-son typée. Un film raté de plus dans la carrière de Stephen Hopkins (Perdus dans l’espace, L’ombre et la proie), avec des qualités techniques et un beau potentiel esthétique, mais rien dans le ‘ventre’. (38)

Le caporal épinglé ** (France 1962) : Adaptation d’un livre de Jacques Perret, commençant sur la fin de la ‘drôle de guerre’ (1940). Renoir (assisté de Guy Lefranc) reprend le thème de La grande illusion, sans donner dans le mielleux et l’euphorie cette fois. C’est son avant-dernier film, à un moment où il est déjà passé à la retraite concernant le cinéma, préférant la télévision, le théâtre et l’écriture.

Les personnages (hommes en âge de servir, jeunes pour la plupart) se comportent en galopins, rebelles en étant fuyards ou dissidents sur des questions pratiques, sans aller ouvertement dans des confrontations désespérées (pas d’héroïsme). Successions de tours, de déplacements et replacements ; éparpillé et insipide, en exprimant amour conséquent (profond mais primaire) de la liberté (sans idéalisme par ailleurs).

La direction d’acteurs semble aléatoire. Quelques dialogues forts envoyés par Claude Rich. (52)

Les Révoltés du Bounty *** (USA 1962) : La mutinerie sur le navire Bounty (1789) a inspirées de nombreuses œuvres, dont un roman de Jules Verne et un autre de Robert Merle, puis au moins deux films avant celui de Milestone en 1962. Il faut le voir pour ses qualités plastiques au sens large (temps à Tahiti, Technicolor, costumes). La construction est un peu ‘flottante’. Trois heures c’est trop long pour que ça contient et ce que ça envoie. Les personnages sont brillamment portés et habités, plus courts en eux-mêmes ; les portraits sont succincts, les auteurs jouent sur la solitude du pouvoir mais laissent couleur au lieu d’aller en profondeur – alors qu’il y a le terrain pour. De bons dialogues, de bonnes gueules ; courts passages éloquents (face-à-face tendus, tribunal). (64)

Mais où est passée la 7e compagnie ? *** (France 1973) : Premier vu de la franchise. Un classique du film de bidasses (genre dominé par les français à l’époque, concernant le grand écran).

Réalisation brutale, pataude au début ; des gags pachydermiques, les meilleurs sous forme de farces prenant le temps de s’étaler (ne pas confondre avec le running gag) – au contraire du second opus, plein de jets ‘spontanés’ s’écrasant aussitôt. Les scènes contre les allemands, ou à leur détriment, sont les meilleures ; plus mordantes, sans sacrifier l’esprit ‘gentil’.

Cet opus garde la meilleure réputation de la trilogie – il est largement au-dessus de ce qui doit venir en effet. (64)

Pathology *** (USA 2008) : Cousin d’Anatomie, cite également le serment d’Hippocrate (avec une ouverture gênante), avec deux nuances colossales. Cette-fois le serment n’est plus dévoyé mais carrément oublié, même si dans tous les cas c’est le tremplin à une curiosité perverse. Et surtout il ne s’agit plus d’approcher la bête ou le complot ; la focalisation est à l’intérieur.

Inclus dans un groupe de tueurs peu après son entrée dans l’unité, le protagoniste est l’un des seuls individus sympathiques – il arrive à le rester malgré ses crimes. Car c’est notre repère au milieu du panier de crabes (celui qui se frotte à notre place, qu’on s’y projette ou l’accompagne doctement) – son ignominie est relativisée par celle des autres.

La folie des grandeurs est en ligne de mire mais s’avère moins pertinente pour ces cas-là que la recherche de sensations fortes. Style prévisible, droit au but, soigneusement malsain ; pour une séance intense, sans niaiseries ni pudeurs. Quelques passages fondent vers le clip glauque (avec percées SM) et le sexe est récurrent après les meurtres (à deux). (72)

On a retrouvé la 7e compagnie ** (France 1975) : Toujours à la télé (sur TMC), je découvre la première suite d’Où est passée la 7e compagnie. Même configuration au début, puis cette fois l’équipe (une seule modification, avec Aldo Maccione remplacé) se retrouve détenue dans un château avec des officiers français. Les crétins doivent assurer le salut et l’évasion des grands, ils vont multiplier les évasions et les pas de côté.

Le spectateur est jeté directement dans les événements et donc dans la gaudriole. Le résultat est sans ressorts. Aucun rire pour ma part, contrairement au premier opus. La réalisation ne s’est pas améliorée et la laideur s’est ajoutée. Les personnages secondaires sont sous-exploités, y compris les truculents comme Jackie Sardou (en vieille Crouzy). (46)

Cotton Club *** (USA 1984) : Francis Ford Coppola récupère cette salle ‘mythique’ à Harlem, où des noirs jouaient (et dansaient) – Cabe Calloway et Duke Ellington ont triomphé ici. Le film se déroule donc pendant les roaring twenties (sœur américaine des années folles) puis la Prohibition.

Le Cotton Club sert de fond et d’ambiance au moins ; les spectacles (claquettes et autres) passent régulièrement au premier plan régulièrement. Le trompettiste (cornettiste ?) Dixie Dwyer est une des rares exceptions (joué par un Richard Gere, qui semble plus jeune et vulnérable que dans American Gigolo) sur le plan racial – d’ailleurs ce protagoniste n’existe qu’en fiction. Un casting de ‘masse’ défile et le tout s’achemine vers le clash de gangsters, avec tornade finale.

Coppola essaie de faire quelque chose d’ample, sur une surface réduite (script et rapports humains compris). Derrière circule une petite foule de personnages et de situations, qui resteront secondaires mais se relient (les affaires raciales, les concurrences amoureuses, les ambitions et les -sales- coups).

Le film s’élève à un niveau technique qui reste rare et mobilise une reconstitution très exigeante. (74)

L’économie du couple *** (Belgique 2016) : Lui a une personnalité infecte ; un passif-agressif, toujours en position de victime puis de revendicatif lésé. Elle est impitoyable, dans l’entre-deux entre dureté et abus vis-à-vis de son mari, face auquel elle ne veut rien céder ; veut en faire le comptable et responsable de son dégoût, ses amertumes ?

Film de mœurs, assez trivial et ‘français’ à l’arrivée, mais lucide sur les rapports en famille et les confrontations de deux anciens amants sortis de leur joyeux sommeil. Petits instants Tellement vrai chez les petits-bourgeois.

L’éducation des enfants semble regrettable. Les gamines prennent des largesses. Les dommages viennent notamment de l’irresponsabilité et des faiblesses de la figure paternelle. Point de vue cohérent de la part de Joachim Lafosse, auteur du plutôt réac Élève libre. (64)

Toni Erdmann *** (Allemagne 2016) : La protagoniste a une fonction proche de celle de Clooney dans In the Air, l’issue du film est très différente. Le point de vue est sidérant, à l’image des personnages, qui se débattent avec leur perplexité de gens pauvres et stériles (et bien lotis). Le film n’est pas dans la moquerie, plutôt dans la tentative d’empathie et le soutien passif, à la façon d’un guide bienveillant et non-directif – comme la femme aux œufs (à la compréhension surprenante). Humour acide, précis, étalage de malaises, froideur constante.

Très mécanique, joue sur la surenchère quitte à l’enfoncement (côté Ma Loute). Au programme, du pétage de plombs/de la régression d’absurdiste tout neuf et trop vieux, décalé – à sec. Le père, avec ses errements et ses missions-rôles, montre qu’il n’est pas un génie de la blague, mais un lourdaud ‘entier’ dans ses provocs. En théorie le récit est celui d’une double-libération ratée, les oppositions sont surlignées – c’est le clash du Fi loser vivant sur ses grosses rentes vs TJ usée, sauf qu’un demi-siècle après 68′ c’est bien la jeune qui assume le sérieux. Ce père est un peu un nul, vieil optimiste et humaniste primaire (‘il faut vivre’, « le bonheur » etc) ; inconséquent dans son rôle, sait pas réparer.

Idée du travestissement pour arriver à communiquer, pour rompre avec les ‘voies sans issues’, la vie trop réglée et l’âme glacée, etc ; pour briser le faux ce n’est pas géant – mais tentative rapprochements entre êtres, incapacité à sortir de rôles pré-écrits, personnages ‘vides’.. Le sens de l’humour est inaccessible (à Ines/Sandra Huller), comme toute sincérité. (70)

L’attaque des crabes géants ** (USA 1952-57) : Roger Corman, phobie nucléaire, crabes radioactifs et mémoires d’humains mutés. Évoque les vieux rêves du cerveau humain (sans âme) sauvé après la mort. Contrairement à de nombreux concurrents, ce bis montre la créature régulièrement. À son échelle les effets spéciaux sont convenables. Très court. Sérieux, active des rengaines fondamentales, sans forcer ni se planter. Bon spécimen pour les fans de ‘nanars’ sauf s’ils espéraient la folie des grandeurs ou une vraie nullité. (54)

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Autres Mini-critiques : 9, 8, 7654321 + Mubi 4, 3, 21 + Courts 2, 1 + Mubi courts 2, 1

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WILLY 1er *

29 Avr

1sur5  « Librement inspiré de la vie de Damien Vannet », Willy 1er semble affilié à l’école Strip-Tease et Deschiens, voire Dupontel. L’argument général est proche de celui de Bernie, mais vingt ans plus tard le taré enragé a laissé la place à un attardé rêvant d’intégration. À chaque époque ses monstres. Malheureusement Willy 1er n’a ni l’énergie ni la singularité de ces modèles. Il a en revanche un surmoi puissant, châtrant le film sans pour autant être honoré. Le résultat peut être folklorique, il est surtout dévitalisé.

Cette réalisation à quatre têtes complète le tandem avec lequel l’hydre s’incruste sur le marché : une mesquinerie compassionnelle dont un acteur amateur et handicapé est la mascotte. Après Ich bin ein Tata (2015) les réalisateurs attribuent à nouveau une fixette sur l’Allemagne à leurs crétins d’antihéros (dans le court, c’était Damien-ne qui en dressait les louanges). Façon de bien alourdir le dossier à charge – mais tristounet – de pauvres demeurés sur lesquels sont projetés déficiences, excentricités ou autres hontes.

Pour faire rire les auteurs n’ont qu’une méthode : l’humiliation. Quelques petits moments pittoresques surnagent, type demeuré perché ou triso sur sa moto. Ce dernier cas est le seul où le film assume de moquer la fausse puissance de Willy. Quand il veut faire dans le pathétique, il soulève des poids morts. C’est en sautant dans les tréfonds avec Willy bis que la séance décolle un peu. Le spectateur peut se prendre de pitié pour les deux Willy, enfermés dans des ornières – dont chacun sature mais ne sait, pour des raisons différentes, se dépêtrer.

Entourés par les pochards, Willy/Damien se montre faible – c’est probablement tout ce qu’il peut être. Ces dégénérés d’une sous-race répandue poussent au vice, tentent de l’exploiter, lui n’a que sa confusion à opposer. En arrière, le réel des classes populaires miteuses d’une Normandie tirant sur le Nord(-Pas-de-Calais) ; un fond rebattu bon seulement à enfoncer le clou pour pointer la misère et la bêtise, loin d’un détournement maniéré comme Les Ardennes, loin aussi d’être un support à thèse, à psychologie, à ‘faire du social’ ou encore à fantaisie (comme pratiqué par Quand la mer monte). À la rigueur ce film aurait mieux fait de trancher quitte à être carrément odieux.

Il reste dédaigneux envers ses personnages, foncièrement méchant, mais pleutre et faible. Toute introspection est avortée, s’agissant des personnages, de la démarche probablement, de la vocation de ses motifs. Des montages d’ordinateurs désuets et de vidéos Youtube kikoos kitschouilles sont censés représenter l’univers Willy-esque ; bref on rejette le laid et le mauvais sur des canards boiteux (les apparitions du jumeau fantôme sont davantage prises en mains) sans autre ressource que son ricanement suspendu de hyène à la pensée grégaire et au moralisme naissant. On leur ajoute des débilités sorties de nulle part – comme ce show de travelo sur l’une des chanteuses les moins attractives de France – par son style (ZAZ). Voilà un film névrosé encore plus pathologique que son protagoniste repoussant.

Note globale 32

Page Allocine & IMDB  + Zoga sur SC

Suggestions…

Scénario/Écriture (-), Casting/Personnages (2), Dialogues (2), Son/Musique-BO (1), Esthétique/Mise en scène (2), Visuel/Photo-technique (2), Originalité (2), Ambition (3), Audace (2), Discours/Morale (-), Intensité/Implication (2), Pertinence/Cohérence (1)

Note arrondie de 33 à 32 suite à la mise à jour générale des notes.

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TU NE TUERAS POINT ****

19 Mar

5sur5  Après une décennie de démêlées judiciaires ou ‘morales’ le fou furieux de L’Arme fatale se rachète avec un nouveau film retenu pour les Oscars 2017 : Hacksaw Ridge, judicieusement baptisé ‘Tu ne tueras point’ pour l’exploitation française (reprenant le cinquième des dix commandements). Une nouvelle fois Mel Gibson derrière la caméra orchestre une œuvre imprégnée de christianisme, sans aller dans la polémique frontale comme il l’avait fait avec La Passion du Christ.

Cette cinquième réalisation se sert de l’attitude du caporal Desmond T.Doss et de ses exploits sur le terrain comme fondement. Ce soldat aurait sauvé 75 hommes pendant la guerre du Pacifique (série de combats des Alliés contre le Japon en 1941-45) après s’être fait enrôlé comme infirmier. Il est venu mains nues sur les champs de bataille afin de rester fidèle à ses convictions religieuses ; la reconnaissance officielle (Médaille de l’Honneur) obtenue par ce relatif dissident achève d’en faire un cas exceptionnel.

Par la voix d’Andrew Garfield cet adventiste se définit comme « un objecteur coopérant ». Au premier abord c’est un grand niais, une sorte de Forrest Gump chrétien. Son engagement est cohérent avec son tempérament, même s’il est étrange en pratique et contradictoire en principe ; ses attaches religieuses et son caractère candide génèrent une force insoupçonnable – et ne la cachent ou ne la trahissent pas, ce qui peut heurter une logique athée et certains préjugés (sur la puissance et le bon sens). Il n’a pas le pouvoir d’arrêter la guerre mais il a celui d’agir au mieux de ses capacités ; contrairement aux apparences il est ultimement réaliste et combatif. D’ailleurs il montre une bonne endurance malgré sa condition physique modeste (et carrément faible par rapport à ses camarades).

Dans le public, l’irritation et l’admiration inspirées par les gens trop près de la perfection seront à leur comble. La défiance et le mépris pourront être forts aussi, perçant même chez les bien disposés, car il est difficile de s’accorder avec des créatures aux allures et comportements si réduits et gênants – les maladresses de niaiseux étant le comble. Jamais Desmond n’est présenté comme un retardé, mais il a encore souvent l’air un peu simple, ou au moins d’un certain genre d’idiot (gentil exalté ou idéaliste carabiné en particulier). Ses crispations apragmatiques poussent à des situations absurdes, au mieux des pertes de temps, au pire des espèces de comédies pathétiques. Le film est loin de céder aux chausses-trappes aguichantes à ce sujet, qu’il s’agisse de caricaturer les positions, les êtres ou de jouer avec ces antagonismes.

Le point de vue est large (l’humour et même un certain sadisme ont leur place – séance Full Metal Jacket soft lors de l’arrivée à l’armée), amoureux de l’élan de Desmond et concentré mais pas crispé comme lui semble l’être. Malgré leur dureté les cadres militaires sont prêts à laisser partir Desmond plutôt qu’à s’amuser avec ce bouc-émissaire volontaire ; chez les futurs soldats comme chez les chefs, le scepticisme, l’embarras (et parfois le dégoût) sont généralement plus forts que l’hostilité pure et brute. Dès cette première heure où plane un soupçon d’imbécillité la foi emporte déjà le morceau, par la suite elle le fait tenir face aux horreurs. Il y aura de rares moments de doutes et jamais de tentation (ou pas à l’œil nu), un tel sentiment étant étranger à celui qui a su se dépasser – et s’abandonner à bonne adresse.

L’énergie du post-désespoir, précocement acquis, éclaire sur son chemin. Ses sauvetages sont parfois inventifs (la terre a des yeux) ou improbables (le dernier filmé), dévoilent les vertus d’un fanatisme serein et bien compris – les vertus de celui qui a fait le deuil de l’essentiel de ses mensonges, accepte sa part et ses limites, tient quoiqu’il arrive en se sachant toujours prêt à mourir. Quelques ralentis inutiles surviennent et le développement ne se fait pas sans coups de mous, mais c’est bien peu de choses par rapport à la profondeur émotionnelle dégagée par le film. Les scènes sur le champ de bataille sont impressionnantes, surtout l’attaque et mieux encore, quand il se plonge dans la guerre, ce film a le mérite de la netteté ; elle est double, morale et esthétique. Il montre la destruction en face (la violence extrême, les pelletées de cadavres, les monceaux de charognes, les pluies de projectiles) et propose des affrontements, des carnages, bref un chaos lisible (à l’opposé du fouillis des films d’action ou de guerre venant sur ce terrain).

Note globale 86

Page Allocine & IMDB + Zoga sur SC

Suggestions…  Silence/Scorsese + Comancheria/2016 

Scénario/Écriture (3), Casting/Personnages (4), Dialogues (4), Son/Musique-BO (3), Esthétique/Mise en scène (4), Visuel/Photo-technique (4), Originalité (3), Ambition (4), Audace (3), Discours/Morale (-), Intensité/Implication (5), Pertinence/Cohérence (5)

Note passée de 85 à 86 avec la mise à jour de 2018.

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