EX MACHINA =+

Alex Garland est un romancier britannique devenu scénariste pour le cinéma grâce à sa récupération par Danny Boyle (qui adapte en 2000 son premier roman The Beach). Il est son auteur pour 28 jours plus tard et Sunshine, puis également celui de Dredd, remake féroce et premier degré de Judge Dredd. Autant de films brillants quand ils ne sont pas simplement clinquants, donnant facilement l’illusion de la profondeur tout en secouant les tripes avec force (mais légèreté). En 2015, Garland présente son premier film en tant que réalisateur : Ex Machina, psycho-drame technologique apparemment très visionnaire et finalement démissionnaire. Dans une espèce de bunker high-tech, un jeune programmeur (Caleb par Domnhall Gleeson) est chargé d’évaluer une intelligence artificielle, après sa désignation par tirage au sort parmi tous les membres de l’entreprise de Nathan (Oscar Isaac).

Pendant le premier contact, Ex Machina en impose, déboulant avec de forts arguments et des ribambelles de promesses à peine masquées. S’il est loin de manquer de génie et surtout de références (d’Asimov à Barbe-Bleue de Perrault), Ex Machina laisse cependant dans le doute à peine sorti du brouillard. L’illusion de la rencontre avec un géant tient aux révélations au compte-goutte, à l’image du jeu pervers de Nathan (bardé de tous les oripeaux du mec cool, puissant, vif et odieux) dont Caleb (bon garçon, l’agilité d’esprit en plus pour mériter le respect) est l’otage. La puissance d’Ex Machina repose largement sur l’induction ; lorsqu’elle est déconstruite et qu’on apprend peu, c’est encore raisonnable ; mais l’équation entre loufoque et conformité qui s’ensuit laisse groggy et pas d’admiration.

Pour l’essentiel la séance est anxiogène, par instants à l’extrême. Le détachement de l’humanité s’opère dans tous les sens du terme, la façon dont y retourne est désespérante. Nathan, le PDG concepteur de l’IA, est taillé comme un méchant très complet de son siècle. S’il est un ‘Mal’ ce n’est pas par son éventuelle volonté de nuire, c’est par son dédain instinctif (et rationalisé) pour tous repères légaux ou moraux. Si la froideur de la bulle des surhommes [‘techniques’] rebute, sa collusion avec les sursauts reptiliens de Nathan est carrément sinistre. Comme le dépassement des conflits et besoins triviaux est un leurre, la paranoïa est décuplée (tous sont affectés, y compris les prédateurs comme Nathan). On avance dans un brouillard terrible : Caleb est manifestement un cobaye, le spectateur est face aux dangers silencieux et pourtant éclatants du temps présent et des évolutions se déroulant sous ses yeux. Surveillance absolue, post-humanité, perspective de l’extinction de la race, abolition des individualités et de tout droit ‘élémentaire’ : remplacement de la Nature, aliénation de toutes ses productions.

Puis tout cela est bradé. La dégringolade commence avec les premiers mouvements de révolte de Ava contre sa condition, c’est-à-dire lors de la soumission de Caleb à des questions censées vérifier son honnêteté et surtout son éveil, sa conscience de soi. Cérémonie assez bizarre, surtout lorsque le robot semble se satisfaire de réponses de ‘rationnels’ pour le moins primitifs (où la vanité du petit malin imite l’intellect pur), presque pseudo romantiques par endroit (le souvenir dans le ventre de la mère) ou simplement aberrantes tant qu’aucune définition n’est reconnue : en quoi Caleb est « quelqu’un de bien » (alors que les grilles morales ou affectives, l’intuition, sont soumises aux filtres du raisonnement pur) ? S’il s’agissait pour Ava de flatter Caleb pour arriver à ses fins, ou de le mettre en confiance, ce recours est peu pertinent. L’état d’Ava, la nature de ses perceptions et ses motivations deviennent de la bouillie. Ensuite la descente s’opère, de façon irrégulière, en ménageant éclats, surprises tapageuses et chausse-trappes, ce qui fera l’effet d’un trop-plein de complexité et de confusion, avant que de toutes évidences la kitscherie post-moderne l’emporte.

La figuration domine, comme en attestent les scènes à teneur érotiques, dans le prolongement de l’échappée swag (mais vintage) de la danse avec Kyoko l’assistante. Les révélations et confrontations entre Nathan et Caleb sont encore passionnantes mais sur un autre terrain que celui des joutes technologiques ou des projections évolutionnistes. Finalement Ex Machina, peut-être pour rassurer l’auditoire et tempérer les vertiges des auteurs eux-mêmes, en revient à des balises plus nettes et, au fond, à la limite de l’idiotie – ou des régressions éventuellement gracieuses, mais uniquement en surface ou pour des esprits ‘abolis’ aux attirances enfantines. Tout ce qui se profilait de plus trivial, tout ce qui avait trait aux dominations et extases les plus sommaires bien qu’elles se voulaient sublimées, semble l’emporter du côté de Nathan. La toute-puissance et l’atteinte d’un nouveau stade de conscience semblent n’intéresser plus personne, au profit d’un retour aux chimères traditionnelles ou existentialistes, dont les robots, en tout cas Ava, sont les premiers sujets.

Ex Machina exprime alors une forme d’espoir décalé mais pas infondé, quoiqu’en évitant systématiquement tout éclaircissement et tout jugement. Surgit alors, comme une évidence aucunement appropriée sous ces latitudes, la sentence classique à l’encontre des enthousiasmes prométhéens. Dans la foulée se profile l’échappée demi-mystique confortable, sans qu’il n’y ait trop d’engagements hors des jolies poses et de l’ouverture des boîtes à spéculer – cette fois sur le terrain philosophique, celui qui justement risquait de tomber en obsolescence. Ce virage vers le thriller sexy à l’insouciance décalée, voire à l’optimisme timoré et indéterminé, donne l’impression d’avoir assisté à un projet fou qui se serait vautré dans la facilité et l’épate conventionnelle (twist au garde-à-vous) pour éviter la maladie. Façon maline de ne pas percevoir la réalité de ses limites, en se gardant la révolution au chaud pour plus tard.

Note globale 62

Page IMDB  + Zoga sur SC

Suggestions… Her/2014 + L’Age du cristal

Scénario & Écriture (3), Casting/Personnages (4), Dialogues (4), Son/Musique-BO (3), Esthétique/Mise en scène (3), Visuel/Photo-technique (4), Originalité (3), Ambition (4), Audace (3), Discours/Morale (-), Intensité/Implication (4), Pertinence/Cohérence (3)

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LA LOI DU MARCHÉ =-

Stéphane Brizé (Je ne suis pas là pour être aimé) dirige Vincent Lindon pour la troisième fois consécutive (après Mademoiselle Chambon et Quelques heures de printemps) et lui attribue un rôle sur-mesure. Devenu icône (au moins, aspirant très soutenu) social justice warrior à la française (le cocktail classique : la pauvreté en général, les difficultés des immigrés dans la foulée – Welcome), il interprète ici Thierry, chômeur depuis vingt mois, reprenant poussivement le chemin de l’emploi. La reprise est amère puisqu’elle le met face à des reflets très précis de sa situation.

Sincère et opportuniste, radoteur mais parfois pénétrant, La Loi du Marché est un réquisitoire social avec certaines vertus mais, en dernière instance, typique de son genre et même caricatural par ses défauts et angles morts. Le film retranscrit intelligemment au moins trois aspects : la bouffonnerie sinistre des personnes et des services censés accompagner les chômeurs, les recalés ou exclus sociaux ; l’atteinte sur l’estime de soi, sur l’élan vital et même mental, de ces situations précaires bien sûr, mais encore plus de ces systèmes parasites (et de leurs sbires à la violence impersonnelle de pucerons mécanisés) ; enfin les déchirements d’un homme perdu à bien des égards et relocalisé à une place moralement insupportable.

Le premier aspect concerne surtout le début du film et recèle ce qui en fait le meilleur. Thierry s’égare et en vient à couler face à des absurdités terriblement ordinaires : prendre un peu de recul et constater leur persistance a de quoi faire fondre une cervelle honnête (qu’elle crame celles aux premières loges est donc logique). Toujours dans un mode proche du documentaire, plus transparent que véritablement effacé, il fait défiler tous les éléments des obstructions dans le domaine (il faudrait dire ‘du grand meublage’), dont le Pôle emploi ou les assimilés, ainsi que d’autres intermédiaires, assurent la maintenance. On voit les baratins, les enfumages, les empilements de rien, les rustines, les farces molles de fonctionnaires et autres commis lâches, leur arrogance inepte et leur paternalisme pervers. Il y a mieux : toutes ces tentatives scolaires, ces ateliers débiles dont la principale vocation est de justifier les honoraires des soit-disant travailleurs sociaux enrégimentés.

Dans la même lignée, les outils et concepts puérils dont se gargarisent tous ces services se décrétant liés aux entreprises, peuplés par des gens incapables de réaliser la vraie nature de leur présence, leur contre-utilité et leur vocation de gardiens. Les tous premiers instants de la séquence de l’analyse vidéo (qui ira vers un systématisme lourd quoique crédible) sont édifiants, puisqu’un animateur déboule avec sa novlangue et ses notions éculées, annonce les recettes miracles. Pondons nos phrases creuses sur le bon feeling et l’importance de la présentation, prenons une petite part de « 50% de la communication est du non-verbal ». Paradons là-dessus, refusons d’admettre que c’est au-delà du vain ; après tout, peut-être que les milieux où il faut réassigner ces bonnes gens se repaissent effectivement de ces perceptions crétines. Il est vrai qu’à force de faire écho aux insanités ambiantes et petites constructions théoriques pour légumes semi-initiés au marketing, on peut finir par y croire ; et se persuader d’être éclairé et tenir des méthodes efficaces.

Les leurres du syndicalisme sont traités rapidement, avec un prisme certain et une éloquence simple. Alors que Thierry est dans l’errance professionnelle, ceux-là lui proposent de repartir au combat, afin de faire « raquer » les salauds. Et après ? Après rien, mais les salauds l’auront senti passé ! Sauf qu’ils ne sentiront rien du tout. Leurs ennemis ne trouveront que des petits colis empoisonnés s’interposant dans leurs projets, désagréables mais vite balayés. En effet les précédentes luttes se sont déjà soldées par des échecs, Thierry a donc raison de décrocher là-dessus aussi. Avec ces relais-là il ne trouve encore que des parasites et des hypocrites ; les précédents le rabaissent avec des mentions insipides, ceux-là tiennent des langages de fougueux enlacés à leurs impasses. Ils se complaisent dans des « batailles » permanentes et systématiquement vaines, forçant à tourner en rond et emmenant les lésés avec eux pour mieux les abrutir et les pousser au bout de leurs mauvais cycles.

Leurs mentalités sont négatives et régressives (perdre ses pseudo-guerres et devenir un rentier de l’emmerdement, pour in fine se garantir un certain confort, tout ça en démolissant et ne construisant rien en marge – au maximum : rappel aux acquis) et leur activisme ne fait qu’ajouter aux pesanteurs ; lui aussi se traduit d’ailleurs par une armada de formalités futiles et coûteuses. Tout ça n’est pas étalé avec tant de violence : c’est la conclusion logique de tout ce qui est indiqué. Au rayon de ce que le film ne proclame pas par les mots mais déclare dans les faits : il faut noter que Thierry n’est pas un chômeur. Il fait partie de ces nombreux pseudo échappés des listes servant à tenir l’illusion du ‘10%’. C’est la plus belle réussite de la formation qui ne lui a finalement servi à rien sur le plan professionnel. L’exclusion professionnelle est ainsi tout juste masquée dans la réalité par ce ballottage ; et déniée dans les stats grâce aux machineries servant à des exploiteurs contradictoires, dont les pires collaborateurs sont oubliés ou travestis en missionnaires.

Plus largement, Brizé arrive à dresser un compte-rendu cinglant et expressif avec un minimum de moyens. Il dit beaucoup sur l’état d’esprit des protagonistes. La condition de Thierry/Lindon semble l’amener à reproduire tous ces engagements ‘flous’ et à générer de la condescendance à son égard (y compris avec de simples civils) ; sa passivité ne vient pas d’une complaisance mais d’un repli sur l’ultime façon de stopper l’hémorragie de son honneur, de sa confiance. Après s’être trop longtemps cogné aux mêmes murs, vient le moment de l’acceptation par défaut, timide. L’embarras est au rendez-vous mais comme il n’y a pas de solution, cet équilibre décrépit devient la résolution la moins pire. Et finalement on risque de le cultiver ; c’est à ce dilemme que se heurte Thierry une fois qu’il a retrouvé un emploi qui en plus de ne pas lui convenir, le blesse.

La Loi du Marché touche souvent une ‘vérité’ ; en somme c’est un documentaire amélioré et engagé, ouvertement mais posément. Si cet engagement peut contrarier (‘l’individualiste’ politique est susceptible de beaucoup souffrir et rester bouche bée), la pureté du langage a de quoi plaire et engendrer des sentences captivantes. Malheureusement, une fois mises en relief les bassesses, cruautés et absurdités ‘normales’ dans la galaxie de Thierry, La Loi du Marché perd progressivement de sa valeur. Le film n’apporte plus que des séquences jouant la carte du réalisme intransigeant, lourd et plat, ici et maintenant et surtout jamais ailleurs, jamais greffé ou ouvert à autre chose. Cela ressemble bien à ces vies étriquées et malheureuses autour de Thierry, c’est aussi une limitation stérile (et sa facilité en devient dérangeante, presque déloyale).

Brizé enchaîne des démonstrations : la scène de solitude abyssale, la scène de l’entretien qui foire, la scène du pot de départ… Sont au rendez-vous les émotions plombantes, où même le beau présumé suinte trop la misère (pas que pécuniaire) pour se laisser apprécier sereinement. Il n’y aura pas tellement d’ingrédients nouveaux au fur et à mesure, juste une surenchère tranquille via quelques cibles choc. Ainsi la triste condition de Thierry est alourdie par la présence d’un fils handicapé ; une collègue se suicide, car elle était défaillante. S’ensuit le baratin policé du patron : on coupe après son « personne ici ne doit se sentir responsable de quoique ce soit ». Lorsque Brizé montre l’absence de compassion, doublée de mesquineries condescendantes (la visite odieuse du mobil-home), subies par Thierry, il frappe fort et bien, ce coup est légitime. Mais lorsqu’il s’agit de prendre en pitié les pauvres voleurs du supermarché, poussés par des raisons plus ou moins nettes (voire pour aucune raison), une ligne est franchie.

Le film pose en somme la question « peut-on brader sa sensibilité et son amour-propre pour garder son emploi » et par extension pour améliorer sa condition, mais il ne l’applique que dans une seule perspective et a déjà livré la réponse. Thierry ne peut et ne devrait pas s’y résoudre ; quand il le fait, la honte s’ajoute à sa fatigue. Un certain vertige aussi. Cependant, s’il est préférable de ne pas enfoncer les coupables de petits larcins, surtout lorsqu’ils sont faibles ou égarés, les prendre en pitié aussi catégoriquement frise l’indécence. Une double faute est commise : ils sont excusés et ne sont que victimes. Pour la plupart, ils ont simplement cédé à la tentation ; inquiétante façon de raisonner. Parce qu’on est pas truand profond, on devient victime même lorsqu’on est coupable ? Devrait-on excuser les barons voleurs et les truands en col blanc parce qu’ils ont succombé à quelques opportunités bien sales, mais sont dans le fond de petits hommes vénaux et médiocres comme les autres ? Un voleur n’a pas raison parce qu’il est une victime, surtout lorsque ses besoins vitaux ne sont pas en jeu.

Ceux qui ne respectent pas les principes élémentaires d’équité sont dans l’erreur. Punir importe peu ; l’important c’est de ne pas cautionner ces comportements. Il faut arrêter de s’émouvoir en pleine jungle sur les forfaitures de seconde zone parce que leurs auteurs n’oppriment pas ou volent sans méchanceté. Toutefois, La Loi du Marché prenant le parti de la focalisation rigoureuse, il n’ira pas chercher les forfaits équivalents sous d’autres latitudes, ni de coupables. Il fait sentir l’embarras de Thierry et le caractère insoluble de ces situations et équations morales, tout en prenant son parti par le tri qu’il opère et les fétiches de sa méthode. En somme les lésés de la « loi du marché » eux aussi deviendraient des prédateurs ou plutôt des sangsues (fatalement, sans ‘vraie’ fourberie), à leur niveau modeste, sans conséquences directes graves, en reproduisant une corruption systémique – qui n’est pas montrée (ni ses structures), mais dont les écrans de fumée et les valets sont exposés.

Note globale 49

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Suggestions…

Scénario & Écriture (3), Casting/Personnages (2), Dialogues (3), Son/Musique-BO (2), Esthétique/Mise en scène (2), Visuel/Photo-technique (3), Originalité (2), Ambition (3), Audace (2), Discours/Morale (2), Intensité/Implication (3), Pertinence/Cohérence (3)

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HOUSEBOUND ***

Le premier film du néo-zélandais Gerard Johnstone ne propose rien de neuf, mais il vaut largement Hot Fuzz, Zombieland et les autres comédies horrifiques célébrées au cours de la décennie écoulée. Sorti chez les anglo-saxons, en Allemagne et au Koweït, il a du se contenter comme beaucoup dans sa catégorie du DTV en France. Dès l’ouverture, le ton se veut grave, les manières scrupuleuses, le grotesque s’infiltre l’air de rien. Les canons du thriller et du film de maison hantée sont honorés avec intelligence, une espèce de bouffonnerie sûre d’elle-même et de son bon droit huile les rouages.

C’est un pastiche avec ses excentricités propres, en constant équilibre entre normalité en déroute et décalage ordinaire. Bizarrement, cela donne une ambiance aimable, fluide, opérationnelle sur tous les plans. Grâce à la pluralité du langage, l’acceptation de choses invraisemblables passe mieux, les pics d’effroi font leur effet, avec une énergie élégante. Le film a beau être habité par une sorte de second degré, il est sérieux dans son exécution, sa conception et son ‘élocution’ (le gros gag ne demande pas de sacrifices, s’accommode du pathétique ou du gore) ; il n’est pas ‘parodique’ ou voué à l’humour spécifiquement. Ce pittoresque moderne tirant sur le WTF serein renvoie plutôt aux rejetons des délires de Peter Jackson (comme Black Sheep), à Scream lui-même (pas à son ‘esprit’ interprété avec le recul) et par endroits à l’ironie présente chez Barry Sonnenfeld (adaptations La Famille Addams et trilogie Men In Black).

Les protagonistes sont tous consternants a-priori, à cause de leurs défauts criants ou de leur manière gauche ou désuète de s’approprier une fonction sonnant ‘cliché’. Mais leurs personnalités sont trop criantes et ils inspirent tous rapidement une vive sympathie ; la compassion pour leurs drames et leurs ridicules rend réjouissante une pluie de détails qui sans doute passeraient pour neutres s’il n’y avait eu ce mouvement. La confrontation des hystéries et idiosyncrasies est jubilatoire ; ‘l’héroïne’ Kylie (Morgana O’Reilly), poussée à bout dans le seul costume demeurant conventionnel (l’ado attardée, sombre et mesquine), doit composer avec un entourage bien plus dissident (malgré, presque à chaque fois, une posture sociale très carrée). À ce jeu, la mère Miriam surpasse les deux ou trois bêtes de foire grâce à son décalage constant malgré tout ses efforts pour être une personne limpide et équilibrée ; et aussi grâce à la dégaine de Te Wiata Rima, digne d’un reflet champêtre embarrassant pour Edina Monsoon (AbFab).

Note globale 69

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Suggestions…

Scénario & Écriture (3), Casting/Personnages (4), Dialogues (4), Son/Musique-BO (-), Esthétique/Mise en scène (4), Visuel/Photo-technique (3), Originalité (3), Ambition (3), Audace (3), Discours/Morale (-), Intensité/Implication (4), Pertinence/Cohérence (3)

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AUGUST UNDERGROUND -°

August Underground est un des climax de l’horreur absolue des 2000s, dont l’ambition est de montrer le pire et d’imiter la formule du snuff. Nous sommes au-delà de A Serbian Film et de Philosophy Of A Knife, plutôt au rang final, celui de Snuff 102. Culte de l’underground, August a deux suites, August Underground Mordum et Penance. Nous y voyons trois jeunes tueurs tarés et survoltés (deux hommes, une femme) jouer avec les femmes qu’ils séquestrent. Caméra bas-de-gamme et rendu ultra-réaliste assortis.

Le film de Fred Vogel est souvent strictement dégueulasse, ponctué par l’horreur charnelle la plus crade et dérangeante. L’absence de netteté de l’image contient tout juste l’atrocité, mais c’est finalement plus le satanisme de l’entreprise que l’immonde exhibé qui heurte. Ce ne sont pas seulement des malades ou des monstres, ce sont des enfants sinistres et inhumains. Leurs séquences d’intimité (finalement les plus nombreuses), leurs ivresses permanentes et bien orientées, inspirent un dégoût plus profond encore que celui provoqué par les images.

Si on connaît la nature de ce shocker, donc sait à quoi s’en tenir (tortures, ultra-gore, excréments..), il n’y a pas de surprises. C’est écœurant, éventuellement révoltant et assurément sordide. Avis aux psychopathes et dégénérés, les curieux peuvent s’abstenir… ou au moins doivent savoir. Toutefois les cinéphiles intégristes y passeront (ou y songeront) nécessairement. De toutes manières, on passe l’essentiel du métrage les yeux rivés vers le plafond ; sauf pour les amateurs, il est impossible de tenir, d’être un simple récepteur. Ceux-là d’ailleurs ne sont pas totalement satisfaits par cet August Underground, les suivants étant tenus comme bien plus  »extrêmes ».

Note globale 12

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Suggestions… Scrapbook + Pig/Rozz Williams + Human Centipede II

→ Note arrondie de 8 à 12 suite à l’exclusion du zéro et suite à la mise à jour générale des notes.

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