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J’AI PERDU MON CORPS **

15 Nov

2sur5  Cette fameuse main à la recherche de son corps fait partie d’une poignée d’éléments servant à enrober un programme éculé. Rendre une séance attractive en se concentrant sur ce seul morceau, lui conférer des émotions, des buts voire une conscience, était un lourd défi. Et bien que le film se vende et se dope sur ce compte, la place de cette main dans la ville est marginale (spoiler : elle fournit le meilleur de très loin devant les flash-back tout en mélancolie douce, chagrins, sépia ou noir et blanc). Au départ on baigne dans un mélange équilibré, ensuite la trame classique et romantique prend toute la place – autour de l’élan piteux mais amoureux de ce jeune type pas sevré mais sentimental qui se donne du mal.

Par rapport au roman Happy Hand (signé du responsable d’Amélie Poulain), le réalisateur Jérémy Clapin aurait introduit l’essentiel des scènes pertinentes ou simplement étoffées. Les enregistrements et les principaux éléments de la conclusion [sur le toit] seraient donc entièrement dûs à l’adaptation. Or avec eux et plus encore la scène-clé de l’interphone, on a le principal de ce qui tient la séance debout ; donc soit le matériau de base était vaseux ou tout en sentiments et sensations intranscriptibles, soit Clapin et son équipe ont simplement composé avec un nom et plaqué dessus leurs inspirations.

Dans tous les cas, probablement dans l’idée de le dépasser, le scénario a été délaissé. Il s’avère simple voire carrément simplet au niveau des profils et motivations. Le film ne peint pas le monde en rose bonbon mais cumuler les trucs crades et vulgaires ne fait que lui donner un cachet réaliste, une capacité à faire écho, sans élever son niveau. Le fond demeure d’une niaiserie imparable, les sermons sur la destinée à dompter n’y changent rien – tant mieux probablement car hormis les envolées stériles du développement personnel misant sur la pensée magique, il y avait zéro débouché. Enfin les effets sont plus appuyés que convaincants, la pression émotionnelle est excessive (il y avait un empressement comparable dans Skhizein et Une histoire vertébrale) et la musique utilisée comme si l’auditoire se cocoonait dans sa safe space érigée à la gloire de Radiohead.

Évidemment un tel film vaut davantage le déplacement que Countdown, des talents sérieux sont à l’œuvre. Mais hormis ce titre-là je ne vois au mieux que des équivalents ou des déceptions (ou des saletés intéressantes comme Alice et le maire) dans les sorties de ces derniers mois (L’invasion des ours assurait le pittoresque). Enfin ce livreur finit par gagner la sympathie grâce à sa bizarre obstination et ceux qui auraient aimé Les triplettes de Belleville s’il n’était si ‘franchouille’ à leurs yeux devraient trouver une bonne alternative tout aussi nostalgique. Ceux qui viendront à J’ai perdu mon corps attirés par le label du producteur Xilam auront plutôt la confirmation qu’il a livré son meilleur il y a vingt ans avec Oggy et Les zinzins, les rares films présentés depuis n’étant jamais renversants dans leur domaine (même s’il y a eu de jolies choses comme Kaena).

Note globale 52

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Suggestions… Rubber + Paprika + Avril et le monde truqué

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COUNTDOWN **

13 Nov

2sur5  Ce petit film d’horreur fait son boulot. Il joue efficacement avec les clichés (avec une affinité spéciale pour la mort dans le rétro) et les limites du genre avec l’humour. Son habileté à embarquer doit beaucoup à l’héroïne, version mature de celle de l’intro – une jolie fille distante mais obéissante, acceptant à contre-cœur le jeu débile et les conditions d’utilisation qui pour les autres font quasiment partie de la fête.

Bien sûr il ne faut pas être à cran sur la logique, les contradictions. La sensation des secondes bien longues dans les derniers instants est interprétée littéralement et il faut attendre le milieu du film pour envisager la lecture des ‘term services’. Même le complotiste du bar trouve que cette histoire relève de la connerie ! Au lieu de se fourvoyer dans de telles considérations, on se focalise sur les impératifs égocentrés, ce qui permet de traverser le film de façon plus ou moins heureuse selon qu’on apprécie ou aime mépriser les personnages.

Comme les interprètes sont bons et qu’il y a quelques seconds rôles un peu grotesques, c’est assez facile – comme tout avec ce film. La limite est atteinte quand le film bascule dans l’abusif au niveau des relations : le retournement des accusations par le patron, qui se fait alors d’un mielleux à la limite de la comédie (sombre) sort du cadre des ringardises bénéfiques et semble simplement débarqué là par contrainte ou compensation. C’est que le film est (cosmo)politiquement correct l’air de rien, ou du moins particulièrement ‘conforme’.

Les femmes échappant aux menaces sont vieilles et amères, les hommes sont lâches, irresponsables ou transparents. Dans ce champ d’inconscients surgit un allié black. À la rescousse de la pauvre proie (mais forte, qui sait se battre pour sa sœur et sa camarade), il apparaît dur et swag tout en sachant apporter un soutien moral. La superficialité de l’écriture et du profil deviendrait presque un atout dans ces moments-là. Même Ozhin n’est qu’une silhouette. À terme Quinn reste la seule à produire un peu de valeur. Mais tout ça fonctionne gentiment, alors si on y va en connaissance de cause, on ne s’ennuie pas – ou si peu.

Par contre il serait insensé de prendre un ticket à deux chiffres. Pour ce continuateur de la piteuse tradition représentée par Ring et Destination finale, sortir 7 ou 8 euros est le dernier palier avant de risquer les regrets et la grimace en sortie de séance. Les amateurs d’horreur surnaturelle à sensation type La nonne devraient apprécier – il n’y a pas son ‘exotisme’ mais pas ses défauts de rythme et le grotesque est digéré. Les amateurs de slasher et de films à concept discount mais crus type Would you rather (ou même du film d’horreur thaïlandais partageant son nom) peuvent aussi tenter leur chance, même si rattraper Wedding Nightmare serait plus profitable.

Note globale 46

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Suggestions…

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MARTHA MARCY MAY MARLENE **

25 Oct

MARTHA marcy

2sur5   Maillon conforme de la grande chaîne du « cinéma indépendant », qui est devenu un style avec ses généralités formelles ; alors qu’il devrait, par définition, être le terrain propice à l’émergence d’auteurs et de manières inédites ou décalées. En fait de refléter l’ensemble des essais indépendants, le terme en est venu à se référer à une fraction étriquée de celui-ci, garante d’un certain bon goût et d’une ‘liberté’ auto-sanctifiée qui s’exercerait donc dans un cadre épuré et protégé, sans risque de dérapages. Le « cinéma indépendant américain » est depuis une dizaine d’années le sobriquet conquérant d’un label, ou du moins d’une galaxie, celle de Sundance.

En ce début des années 2010, les sectes et la dissociation inspirent ce cinéma indépendant ‘intégré’ ; cela donne de jolis moments à passer, d’un point de vue plastique ; dans Martha, la photo est superbe bien qu’elle relève de la branche ‘réflective’ de l’état d’esprit Instagram. Mais l’inanité du geste est flagrante. Essai poseur timoré mais pas sans raffinement, Martha Marcy May Marlene effleure son sujet en s’engageant le moins possible, constituant avec assurance un cadre intellectuel qu’elle prend soin de ne pas remplir, sinon par des plan-séquences extatiques, abondants en silences, jeux de regards, suggérant ou assénant par secousses des détails psychologiques. Ce premier long de Sean Durkin souligne combien Martha a été détraquée par son expérience au sein d’une secte et est assez maladroit dans sa démonstration.

Du mystère de son court Mary Last Seen, Durkin est passé à la représentation sans racines ni destin. Le compte-rendu du passage est assez pauvre et caricatural ; celui des effets pas mieux, à la délicatesse près. Martha déroule un petit topo sur la bonne façon de vivre résumable en un élément de langage original et une petite fièvre adulescente basique ; pour le reste, elle est la prisonnière de ses symptômes. Comme peinture du vide et de la confusion indicible propre à son état, Martha Marcy ‘fait sens’. Dans ces circonstances, sa lenteur extrême et même une certaine fébrilité voir une absence de point de vue clair se justifient et accompagnent son errance. Il y a là un vrai charme (léthargique). Le manque de substance et de fermeté sont à la fois une incidence de l’état du personnage-titre, une manière conforme d’interagir avec lui, le fruit d’une vision minimaliste et peu ambitieuse d’un point de vue intellectuel ; les vertus documentaires s’en trouvent réduites à néant et en ce sens, Martha est un raté.

Note globale 51

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Suggestions… Midsommar + Helen

Scénario & Ecriture (2), Casting/Personnages (3), Dialogues (2), Son/Musique-BO (3), Esthétique/Mise en scène (3), Visuel/Photo-technique (3), Originalité (2), Ambition (4), Audace (2), Discours/Morale (-), Intensité/Implication (2), Pertinence/Cohérence (2)

Note arrondie de 51 à 52 suite à la mise à jour générale des notes.

 

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LA FAMEUSE INVASION DES OURS EN SICILE **

13 Oct

2sur5  Fruit de six ans de préparation dans un studio à Angoulême, La fameuse invasion des ours marque l’essentiel de ses points grâce au dessin (notamment grâce aux architectures de la société mixte), le reste de ses arguments ou agencements ne lui permettant jamais de s’envoler. Le film semble respectueux du livre signé Buzatti, y compris dans sa dimension ‘rêverie primitiviste et collectiviste’ qu’il a peut-être relativement déniaisé (au prix de coupes narratives ?). Il offre plusieurs visions excellentes (le chat glouton, les sangliers-ballons) mais sur la durée rien de profondément ou globalement aimable ni convaincant. L’univers est meublé par un bon lot de détails et gadgets (comme les trois mini assistants, ou les classiques mais toujours impressionnants visages des anciens gravés dans les arbres quand le roi est pris de nostalgie pour sa montagne) mais loin d’en générer des torrents. Probablement l’intention est de gâter tout le monde et confectionner une œuvre généraliste. Le résultat est curieusement aseptisé, comme dans une réunion démocratique où les idées géniales seraient mises au même niveau que les banalités consensuelles et les égarements discrètement puants. La morale se veut relativiste et anti-manichéenne, s’avère obtuse et anti-individualiste. Hormis le fantasque Grand Duc (aux airs et au nez évoquant le voisin dans Famille Pirate), il n’y a pas de méchant parce qu’il n’y a pas d’individus – et quand des individualités émergent, elles sont moquées à moins de correspondre à des canons éprouvés et garants de la bonne mise en ordre du troupeau (le vieux sage versus l’original à moustache plein d’ambition sera forcément le lâche de service – plein de projets grandioses et futiles pour la ville, là-dessus le film approchait quelque chose de juste).

Ce qui fait la supposée vertu supérieure des ours dans la première moitié, c’est qu’en tenue naturelle ils sont parfaitement indifférenciés. Même l’écologie profonde et les fondamentalismes religieux ne plaident pas pour l’instauration ou le retour à un monde aussi bêtement minimaliste et anti-humain. La confiance dans l’intelligence et les capacités de création ou d’auto-gouvernement est exagérément basse dans ce récit. Dès le départ, j’ai été gêné par la dépendance présentée comme naturelle du peuple ours incapable de partir chasser ou d’agir sérieusement sans son roi. Une autre bizarrerie à mes yeux qui semble innocente à beaucoup d’autres est cette proximité de papa ours avec son ourson – dans ce duo on est jamais lassé de se coller le museau. Les invraisemblances et facilités deviennent alors plus pesantes. Nous ne sommes pas dans une fantaisie monarchiste façon Le roi Lion (où le sort sombre de certains est légitimé), parce que c’est trop candide et léger – au moins la tragédie habille correctement. En même temps, La fameuse invasion ne donne pas franchement dans la comédie, ni dans le rocambolesque, ne propose pas non plus un déferlement d’imagination ou d’exotisme. Bien sûr il n’est pas moraliste comme autrefois, ni avec des repères et distributions des fonctions rigides comme souvent – mais c’est du point de vue spectateur – car dans la diégèse, au minimum chacun est bien enfermé à sa place (la leçon c’est que les ours ont perdu leur temps à s’embourgeoiser avec les humains). En fait les voix dissidentes sont canalisées dans les schémas conventionnels (le fils prodige, la vanité des princes), les alternatives comme les contradictions sont inexistantes. Le scénario pâtit de ce peu de conflits et la galerie si sympathique soit-elle de loin reste pauvre voire vile de près. L’intervention du serpent orange est encore plus bâclée que celle du chat géant. Sa seule vocation semble de décanter une histoire qui n’arrive pas à germer puis arriver à conclure. On ne peut se régaler de rien et en douce(ur) tout ce qu’il y a d’évasion ludique ou de différent est condamné.

À quoi bon l’intégrité si c’est pour servir une espèce de narcissisme grégaire maintenant ses sujets à l’état de braves et forts bébés bien encadrés, belles larves guerrières à leurs heures, insouciantes tout le temps. Si les commentateurs et relais culturels ne s’offusquent pas de ce qui relève pourtant d’une sorte de plaidoyer pour un nationalisme consanguin, c’est que celui-ci est désarmé et benêt, n’a même pas d’emblèmes, d’expériences et de goûts propres un peu développés (pas de mythologie, de gloire ni de volonté sérieuses). À terme il n’a même pas la force d’opposition des tribus de Pocahontas ou d’un royaume grotesque en Ouganda. Nous voilà simplement dans une déclaration d’amour au ‘bon sauvage’ et au communisme archaïque – diffamant la société des hommes corrompue et décadente en snobant le niveau de vie, la richesse et la variété, ne serait-ce que culturelles, qu’elle apporte.

Note globale 52

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Suggestions… Le renard et l’enfant + Un prophète + De rouille et d’os + Le triomphe de la volonté + Perdrix

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ALICE ET LE MAIRE *

5 Oct

2sur5 Ça se regarde sans dommages mais à l’heure de conclure c’est doucement écœurant. Naturellement ce film se veut un diagnostic, or il est surtout symptomatique de l’état d’esprit d’une espèce de consensus français moisi, sur une ligne ‘réac de gauche’ ventre à terre dès qu’une institution est en vue, mais toujours sceptique sur l’usage qui en serait fait aujourd’hui. Cette ligne plébiscitée par les grandes gueules fort instruites et toujours rampantes et complaisantes en pratique – l’ego du chevènementisme et de toutes ces diableries de zombies prétentieux. Alice et le maire est comme ses personnages, un film planqué et de planqués. On y dénonce ce qui nous voisine, comme si on s’en distinguait ; on est seulement une version se voulant plus fine ou authentique.

L’empathie envers elle est catégorique. Elle s’avère le seul repère digne d’estime dans ce panier de crabes gris. Certains personnages secondaires respectables voire méritoires sont limités par leur statut de passants dans sa vie. On pardonne à ce vieux maire. Les autres sont des idiots ou des fausses alternatives ; il faut bien comprendre comme ces autres sont des satellites bidons autour du pouvoir, tandis que notre héroïne doit être bien au-delà de tout ça. C’est la même chose que ces petites sentences : « c’est cela mais c’est bien plus » qu’on attribue à une œuvre ou une réalisation quand on a décidé de l’honorer ; ou le « non c’est plus profond/intelligent que ce que les gens croient » quand on vous n’avez pas d’arguments mais une certitude et une petite hauteur vaguement mystique fondée sur du vent ou des besoins tyranniques.

Alice ne pond que de la parlotte et des références éculées mais dans l’optique du film c’est une lumière ultime auprès de laquelle la tiède adversité n’ose pas se mesurer ; on dirait un trip d’éternels lycéens entre individualisme égotique et servilité totale dans ‘le système’ (dont on prétend être étranger voire lésé naturellement). On lit du Rousseau et a l’impression de vivre quelque chose de grand et ‘vrai’, à quoi n’accéderont jamais les odieux hommes d’action et les communicants. Les consciencieux se heurtent aux ‘pragmatiques’ – honorable mais gâté comme le maire ou abject comme le directeur de la communication (évitons de dire ‘dircom’ et donc de tomber dans leur décadence et leur novlangue, soyons les nobles continuateurs de l’idéal républicain et les amoureux hiératiques de la distinction française). Sans surprise la crise existentielle de cette fille la conduira à l’ambassade – oh elle aurait préféré rester en France ; comme la vie peut être dure avec cette manie d’imposer un destin que certes on semblerait avoir cherché sur le papier, mais au fond non. Ou alors Alice a trouvé sa place dans un formol verni plutôt qu’un autre, en parallèle au péquenaud ou au prolétaire dont le cap est de ‘faire son trou’ et se sent satisfait quoiqu’un peu blasé une fois la chose accomplie.

Toute la distance cultivée par le film n’est qu’un cache-misère et le moyen de ses hypocrisies (destinées à se tromper soi en premier lieu). Sa prose est à l’intersection des déclamations les plus conformistes en France. Elle est bien sûr écolo mais pas trop, se veut essentiellement soucieuse d’économie et de justice sociale mais n’en donne les moyens que dans les mots, mise tout sur la force mirifique de la volonté politique et du poids des appareils. Elle adule peut-être secrètement l’inertie générée ou maintenue par ces éléments. Sa démagogie propre et superficielle la mène jusqu’à l’appel à la démondialisation – heureusement rien de concret n’est envisagé, même au niveau immédiat : finalement ce pouvoir politique ne sert peut-être effectivement à rien (au mieux) pour le peuple ! Dans les faits, si ce film était un sujet humain, il serait simplement anxieux de ne plus avoir sa place dans un Parti Socialiste honni mais tenu pour seul véhicule politique viable – le seul où ses contradictions et la nullité de son engagement sont blanchies et même recommandées. Si ce film (comme son petit monde) voulait être consistant dans sa critique de la république à l’intérieur de l’idéal technocratique (certes pas totalement avoué) il irait du côté d’Asselineau. Que ses auteurs aient cette cohérence, qu’ils fassent ce choix minimal, sans quoi ils ne resteront que des poseurs !

Forcément avec un positionnement aussi lâche la qualification des adversaires est indigente mais facile : la menace est nécessairement « populiste » et « la droite » est notre ennemi frontal qui porterait toute la merde du monde. Cette adversité n’est jamais correctement définie. Se dessine une vision bizarre de ce qu’est la droite, mais française – peut-être une sorte de sociale-démocratie adossée à la finance ; dans ce cas la gauche devient une entité planant en marge ? Sommes-nous tombés dans des failles spatio-temporelles où tout est pareil mais légitimement nommé et apprécié différemment ? Paraît-il, « la droite et une partie grandissante de la gauche » (approximativement mais la formule est répétée) sont cyniques et se contentent de « gérer la pénurie ».

Message reçu, mais pour les gens du film et dans le film, c’est quoi l’alternative ? Quel est ce fameux horizon et ce supplément d’âme ? Et même plus simplement : en quoi êtes-vous différents ? En rien ou en pire selon l’angle abordé, c’est pourquoi le film n’opère qu’en tant que flatterie pour les bureaucrates et intellos de sentiment ou de conviction étatiste et ‘politiquement correct’ à l’ancienne, ‘social’ et soucieux d’encadrement donc d’élites bien formées et bien vertueuses pour édifier le troupeau qui servira d’écho pour ses enfilades et petites saillies littéraires (contrairement au ‘politiquement correct’ criard et pleurnichard axé sociétal qui bouche désormais théoriquement la place publique). Les post-modernes comme le branleux Patrick Brack, proposant sa grande imagination et son grand projet pour consacrer ce qui est déjà et prétendre l’accoucher, sont seulement des concurrents, pire, des cousins grotesques, face auxquels on est devenu impuissants ; l’esprit flatté par ce film est seulement celui de gens qui doivent accepter de passer leur tour et devraient le faire même à une époque passée à cause de leur manque de dynamisme, où ils seraient les scribes du roi ou les hagiographes d’un président empereur.

Le seul mérite de cet essai est la mise en avant d’un homme politique ni corrompu, ni salaud, ni présenté comme un ‘idiot utile’ ou un fantoche. Sur plusieurs points l’approche est caricaturale sans être mensongère, dans les limites de la vérité et de ses biais idéologiques voire sociologiques. Lesquels poussent à surestimer l’opposition entre le ‘faire’ et le ‘réfléchir’, comme si ces deux camps étaient incompatibles, comme si les qualités de jugement et d’intuition n’existaient pas. Naturellement ce film est dans le camp où on pense beaucoup et regarde les autres agir bêtement. Pourtant ça ne l’empêche pas d’assimiler et revendiquer des évidences y compris au rayon ‘intellectualité’ (sa ‘philo’ est celle des compilateurs figés et sentencieux) ; ça ne le pousse pas à remettre quoi que ce soit en question, surtout pas ses certitudes et même pas le milieu qu’il investit avec un mélange de morgue et de soumission. Ironiquement on dirait l’œuvre de communicants enfumés par leur matière grise et leurs circonvolutions narcissiques, en train de cibler un public de cadres et de fonctionnaires au garde-à-vous toute leur existence, d’autant plus avides de bons gros récits les posant comme les subversifs anti-mondains voire anti-modernes qu’ils ne seront jamais et n’ont même pas été dans les moments chauds de leur jeunesse. Au moins l’artiste obsédée par la fin du monde le meuble avec décence voire l’enrichit ; mais c’est difficile de trouver du mérite à un reflet amélioré (encore sensible et créateur) alors ce film n’y voit qu’une potiche lamentable comme les autres.

Note globale 38

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Suggestions… La traversée + L’Avenir + La famille Wolberg + The Man from Earth + Conte de printemps

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